En esta ocasión abordaremos unos de los elementos más difíciles de usar en una mezcla: el compresor. Hay que tener en cuenta que el compresor es un dispositivo que nos puede generar muchas satisfacciones, pero también muchos dolores de cabeza, y su correcto uso es en gran medida lo que define bien a un profesional. Cada persona tiene una filosofía propia a la hora de usar los compresores, aunque las cantidades de compresión y sus ajustes dependan en gran medida del tema musical con el que trabajemos.

En esta entrega intentaremos aprender a usar correctamente un compresor por medio del estudio de estos dispositivos, así como con algunos ejemplos prácticos.  Además analizaremos las funciones de un compresor dentro de una mezcla y veremos qué tipos de compresores existen.

El gran Rafa Sardina ha ganado once premios Grammy, el último de ellos por la producción de El Tren de los Momentos de Alejandro Sanz en febrero de 2008. Ha trabajado con gente como Macy Gray, Stevie Wonder, Dr. Dre, Dru Hill, Jessy Moss, Mariah Carey, Luis Miguel, Sheryl Crow, Soul Coughing, Marc Antoine, Angie Stone o Antonio Orozco. Desde el año 2006 dirige su propio estudio, llamado After Hours, con base en Los Angeles.

En esta entrevista, Rafa contesta a las preguntas que lanzaron los hispasónicos hace unos meses en nuestros foros. Enseguida comprobaréis que más vale tarde que nunca.

Hoy saldamos una deuda que teníamos con vosotros desde hace demasiado tiempo. Con este artículo completamos la serie sobre uso de micrófonos que arrancó en febrero de 2006 con la parte dedicada a baterías. En esta ocasión, nos ocupamos del microfoneo de guitarras acústicas y eléctricas, bajo eléctrico y voz. Se incluyen 17 ejemplos en MP3 de tomas realizadas con Shure SM57, AKG C41, AKG D112, Sennheiser 421 y Neumann U87. Tampoco faltan capturas de la ecualización recomendada, buenos consejos técnicos y fotografías de la posición y distancia de los micros.

Tomáoslo como una introducción al trabajo con micrófonos. Recordad que, para conseguir un buen sonido, no basta con seguir al pie de la letra unos cuantos consejos y tener un buen material; hay muchos otros factores que influyen: la calidad del instrumento y la destreza del ejecutante, la acústica de la sala, vuestra habilidad con los ajustes...

En la entrega anterior vimos cómo hay que aplicar cualquier ecualización sabiendo en todo momento qué es lo que queremos conseguir como resultado. Algo similar pasa a la hora de aplicar cualquier modificación en la dinámica de una señal. En esta ocasión veremos las distintas armas con las que contamos a la hora de modificar tanto las dinámicas de las pistas de forma individual como la dinámica de un conjunto de varias pistas, aparte de dar una guía de inicio que os pueda ayudar a hacer las configuraciones correctas en dichos procesadores. También analizaremos uno de los conceptos que ha creado y que sigue creando más controversia entre diferentes ingenieros de mezcla y que muchas veces provocan ciertos “roces” entre los ingenieros de mezcla y de mastering.

Poneos el casco de albañil y mirad donde pisáis, porque entramos en zona de obras. En la imagen podéis ver el antes y el después del estudio de asanchezgil. Este usuario de Hispasonic publicó el proceso de construcción de su estudio en su blog personal allá por 2005. El año pasado, los blogs personales de Hispasonic se trasladaron a Hispasonicos.com, pero en el camino se perdieron todas las imágenes. Hace pocos días se ha recuperado toda esa información, y hemos podido redescubrir joyas como estas.

Sin más explicaciones, porque una imagen vale más que mil palabras: echad un vistazo al blog de asanchezgil y al blog de 7420rock. Ambos ofrecen un reportaje fotográfico muy detallado, con comentarios en texto.

Después de la pequeña introducción a la ecualización y a los procesadores de dinámica del artículo anterior, en la cual, muy a pesar nuestro, fue necesario soltar bastante “rollo” teórico, llegamos al punto en el que se hace necesario dar algunos consejos prácticos para poder sacar todo el rendimiento a lo explicado anteriormente. Espero que hicierais caso de lo dicho en ese artículo, y que llegados aquí tengáis claro el funcionamiento teórico tanto de ecualizadores como de puertas y compresores, y que hayáis tenido el detalle de hacer algunas pruebas sobre vuestras propias pistas para asentar bien los conocimientos teóricos. Si no es así, antes de seguir leyendo el artículo, os recomiendo que busquéis el capítulo anterior y no volváis aquí hasta que no dominéis lo explicado allí.

Las necesidades de nuestra industria hacen que el audio multicanal casi siempre deba comprimirse para dejar el máximo espacio posible al vídeo. He aquí un panorama de situación de los esquemas más comunes de codificación.

Los que hemos tenido la experiencia de trabajar en formatos multicanal (típicamente para DVD-Vídeo), sabemos que una de las partes más difíciles de nuestra tarea es la de llevar al disco el resultado de nuestro trabajo conservando al máximo su calidad original, es decir, logrando que la compresión no afecte perceptiblemente el producto final. Esto resulta sumamente complejo en algunos casos, por la impiadosa relación de compresión que necesitamos aplicar según el espacio disponible.

En el mundo del audio profesional, como en casi todos los demás, la tecnología nos empuja diariamente a superar nuestros propios estándares de calidad. Una de las demostraciones de esto es el interés de muchos fabricantes por producir equipamiento capaz de trabajar con frecuencias de muestreo cada vez más altas. Partiendo de los “módicos” 44.1 KHz del CD y de los 48 KHz que fueron el standard para video durante años, hoy en día la mayoría de las producciones profesionales tienen al menos alguna etapa realizada en un sample rate superior: 88.2, 96, 176.4, 192, 352.8 y 384 KHz.

Este vídeo, publicado por el veterano radioaficionado francés Claude Paillard (F2FO), muestra las diferentes etapas de construcción de una válvula de vacío... ¡artesanalmente! Aunque a nosotros nos atrae por el aspecto electrónico-musical, Claude dedicó el resultado de sus esfuerzos a otra cosa: le sirvió para montar su radio y comunicarse con radioaficionados de 4 continentes. Aunque no hay explicaciones verbales y todo el sonido es música ambiente, el vídeo es largo, detallado y muy instructivo para los entendidos del tema.

En el artículo pasado analizamos los conceptos fundamentales relacionados con la mezcla. Vimos cómo podemos afrontar una mezcla desde el principio, algunos consejos sobre cómo hacer el proceso de mezcla menos traumática y cómo crear nuestra propia filosofía de mezcla. Ahora empezaremos a analizar los diferentes procesos técnicos implicados en una mezcla musical.

Antes de empezar el análisis de dichos procesos técnicos sería bueno citar algunas cuestiones importantes sobre ellos. En primer lugar, debemos tener en cuenta en todo momento que los procesos técnicos que citaremos a continuación deben estar al servicio de la música.

Aquí tenéis un fascinante vídeo que muestra las tripas del legendario tema Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Es una ventana abierta a los secretos de la grabación de este éxito de los Beatles. El álbum de Sgt. Pepper se grabó con dos Studer J37 de cuatro pistas, haciendo bounces de una máquina a otra (mezclando varias pistas en una para "hacer sitio"). En el vídeo, veréis estos bounces y también tomas instrumentales y de voz completamente aisladas, una detrás de otra. Al final, sonará todo junto, dando como resultado el tema definitivo.

Por cierto, ¿no sentís la piel de gallina cuando aparece por sorpresa "esa voz" a mitad del vídeo? ¡Es como estar en Abbey Road durante aquel febrero de 1967!

El rápido desarrollo de los sistemas de audio digital ha producido una “democratización” de la tecnología de producción de audio, la cual, hasta hace poco tiempo, estaba únicamente en manos de los profesionales del medio audiovisual. En la actualidad cualquier músico aficionado, con una pequeña inversión, puede permitirse el lujo de tener en casa un pequeño estudio de producción donde poder dar rienda suelta a sus “perversiones” musicales. Muchos de estos músicos se sienten impotentes ante la cantidad de conceptos técnicos con los que tienen que lidiar en la actualidad, y algunos de ellos llegan a invertir más tiempo en los aspectos técnicos de audio (mezcla, masterización, compresiones, ecualizaciones...) que en lo que realmente es importante (el tema musical en si).

Alan Parsons es uno de los mitos vivientes de la música. Todos le recuerdan por su participación como ingeniero en el disco de Pink Floyd The Dark Side of the Moon, que marcó un antes y un después en las técnicas de grabación y producción. También por el legendario Alan Parsons Project, cuyo primer trabajo fue Tales of Mystery and Imagination -dos palabras que encajan a la perfección con su forma de trabajar-. Pero Alan continúa en activo, dedicado a las actuaciones en directo, a la composición y arreglos para otros artistas y al sonido para cine. Y entre todo este jaleo, se ha prestado a responder las preguntas de los hispasónicos.

El Circuit Bending consiste en cortocircuitar dispositivos electrónicos de bajo voltaje -alimentados a pilas- con fines creativos. Efectos de guitarra, juguetes o pequeños sintetizadores se convierten así en nuevos instrumentos musicales y generadores de sonido. Con frecuencia, lo que se consigue con esta técnica es un ruido caótico, que atrae al sector de músicos más experimental y a los interesados en la música noise. Es una técnica en pleno auge, con todo un ejército de freaks que no dudan incluso en montar bandas de música enteramente basadas en dispositivos cortocircuitados.

Nos topamos en Youtube con un vídeo impagable que narra la historia del "sintetizador Moog". Son siete minutos y medio de anécdotas, imágenes paleolíticas y declaraciones de Herb Deutsch y el propio Bob Moog. Herb cuenta cómo empezó todo con una subvención de 200 dólares, y cómo acampó en la residencia de Bob durante dos semanas de julio de 1964, para diseñar el nuevo instrumento. El sonido es lamentable, pero suficiente para entender la narración.

No es ninguna novedad que las empresas desarrolladoras de los DAW (Digital Audio Workstation) hace tiempo comprendieron que su sitio comercial no reside sólo en el gran estudio de grabación. Fue en estos últimos años cuando el numero de entusiastas, depositarios de la fe de su hobbie musical en el ordenador, creció exponencialmente para transformarse en el foco de atención de las firmas más respetadas del panorama musical.

Y así es como esta nueva raza de clientes llega para ser abordada según sus necesidades, sus aspiraciones, sus conocimientos, sus limitaciones, y al fin, la virtud de disponer de unos ahorros celosamente guardados (esos que dan la sensación de quemar en el bolsillo).

Todas y cada una de las empresas meditaron un enfoque fresco para sus DAW, queriendo alcanzar al músico amateur. Una carrera vertiginosa por ganar más y más participación de mercado en ese nuevo mundo: el Home Studio. Apple no fue la excepción a la regla, y por esta razón, nos gustaría enfocar este informe desde la óptica y el uso del Logic 8 en el entorno del Home Studio.

Jean-Marie Cannie es el director tecnológico y copropietario -junto con Frank van Biesen- de la compañía Image Line, responsable del famoso estudio virtual FL Studio -antes conocido como Fruity Loops-. En esta entrevista de Ignacio Segura descubrimos muchas curiosidades que rodean al programa y a la empresa. Además, Jean-Marie es un tipo atento y con sentido del humor, que nos ha proporcionado dos fotos impagables. En esta de aquí abajo le podemos ver a la izquierda luciendo smoking con el famoso Nick Rhodes, de Duran Duran. Pero la otra foto es mucho, mucho mejor... ¡léete la entrevista y la descubrirás!

Ignacio Segura profundiza en algunas de las cuestiones que más quebraderos de cabeza traen a los usuarios de FL Studio: el aprovechamiento de los instrumentos virtuales y la integración de sintes externos. En un tutorial guiado por pasos y con prácticas capturas de pantalla, abunda sobre la utilización de sintetizadores hardware, acceso al banco de sonidos General MIDI de Windows, manejo de instrumentos virtuales con varias salidas y uso de Chordspace.

Continuamos nuestra ronda de entrevistas a empresas e instituciones del mundo académico musical. Nos hemos acercado a las dependencias de Microfusa en Barcelona -que también tiene sede en Madrid-, y hemos charlado un buen rato con David Vives (Director) y Ángel Valverde (Jefe de Estudios), conociendo la mecánica de la escuela y descubriendo sus puntos de vista sobre cuestiones delicadas, como el declive de los estudios de grabación. Microfusa está celebrando sus 20 años de historia, en los que ha pasado de dar clases con un Portastudio a ofrecer Masters tan reputados como el de Sonido Multicanal.

Ableton Live 6 ofrece una potente herramienta de control remoto que te permitirá exprimir al máximo las posibilidades de tu superficie de control. En el presente artículo te contamos detalladamente todo lo necesario para dominar los distintos tipos de mapeo, así como para configurar simultáneamente varias superficies hardware.