Articulaciones y matices ewqlso gold pro xp

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#1 por JeanJacquesMontreux el 19/08/2008
Hola a todos.

Veréis, soy nuevo en esto de los VSTs Orquestales, y la verdad es que tengo varios que me parecen muy difíciles de hacer sonar realistas. Por lo visto el realismo se logra básicamente dominando las articulaciones (que vienen en las librerias como KS -o algo así-) y la "Velocity" para matizar las subidas y bajadas de volumen (así a vuelapluma, xD). En fin, supongo que sabéis por donde van los tiros, "uséase", busco alguna guía o tutorial simple que me ayude a hacer que no me suenen planas las composiciones. He encontrado cosas sueltas y algunas de GPO (que también tengo) pero hay diferencias con respecto a EWQLSO Gold Pro XP. Mi equipo tampoco es gran cosa para hacer virguerías, tengo un AMD Athlon 64 X2 Dual Core Processor 5200+ 2,71GHz, 4Gb de RAM, disco duro interno 200 Gb y externo 500 Gb (y por lo visto aquí la mayoría usan bestias QuadCore con 8Gb RAM -o más-). Tengo varios VSTs instalados:

EWQLSO Gold Pro XP, EWQL Symphonic Choirs con Wordbuilder, GPO, Quantum Leap RA, Quantum Leap Hardcore Bass, EZDrummer, Drumkit From Hell Superior, East West Stormdrum Intakt, Cakewalk Rapture con varias expansiones, Reason 4 (para las inquietudes electrónicas...), Steinberg The Grand 2, Varios de Native Instruments (Absynth, Battery, FM8, blah, blah, blah...). Uso como secuenciador Nuendo 3, como controlador MIDI un M-Audio Keystation 88 (no el Pro, el simple).

En fin, que por qué pongo todo eso?, pues porque tengo los VSTs y tropecientas ideas, pero en casi todos pasa lo mismo (cada uno con sus singularidades, claro). Salvo en los electrónicos (cuyas complicaciones son otras...) conseguir realismo es un verdadero infierno. Compongo algunas cosas directamente sobre Nuendo3 y otras en Sibelius, GuitarPro5 u otros, pero luego me suena todo plano. Probé con los KS, poniendo la nota para ligado (por ejemplo) antes de las que quiero que estén ligadas y no pasa nada, no noto la diferencia. ¿? Los pizzicatos y otras historias, sí, suenan bien; pero, por ejemplo, si quiero cambiar articulaciones de un mismo instrumento en una misma línea melódica no siempre me cambia a tiempo, a veces no suena. Necesito un equipo más potente? Que diablos pasa? ò_Ô ¿?

Las cuerdas suenan mal (a teclado de Camela) en todas las librerías que conozco, por muchos Gb que pesen, las últimas mejor, pero ningunas tan creíbles como los Viento Metales de EWQLSO Gold Pro XP, por ejemplo. No existen cuerdas que suenen reales?

Bueno, lo dejo aquí que si no me lío demasiado. xD

Un saludo.
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#2 por JeanJacquesMontreux el 19/08/2008
Habéis escuchado el Capricho No. 5 de Paganini que subió BeloSound? Yo quiero que todas mis composiciones virtuales suenen con ese realismo (menos las escalas del principio y del final) seguro que se pasó un buen rato con eso de las articulaciones. Eso es lo que quiero aprender a hacer. Tengo las instrucciones del EWQLSO Gold Pro, pero aunque entiendo cosas en inglés otras se me escapan, y ahí viene lo de las articulaciones y otros rollos MIDI CC no se qué, xD. Alguien lo tiene en español?
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#3 por Oscarotti el 20/08/2008
Hola JeanJacquesMontreux.....

-1 Lo que te puedo decir ya lo sabes....todo es cuestion de trabajo y horas en un principio, cuando no sabes mucho (si es tu caso claro)....

-2 Cuanto mas juegues con las orquestas virtuales mas iras aprendiendo....(Tiempo: dias,semanas,mese,años,ect...)

-3 Intenta solo manejar bien o dominar unas pocas (orquestas virtuales que te puedas permitir y/o te gusten) y averiguar de que manera funcionan mejor.....(controles.....rebers...equalizaciones...etc..que tambien requiere su tiempo)

-4 Otro gran consejo que para mi es muy importante ya que me ahorra trabajo, es componer lo mejor posible:

-5 Si es un tema orquestal hay que dominar un poco como minimo la instrumentacion y orquestacion y armonia y si ya nos ponemos contrapunto, ect, para que a la hora de terminarla no tengas que llevarte despues horas extras.....


-6 Estas horas extras se traducen en editar el sonido resultante...entonces si el paso anterior lo cumples mas o menos solo te quedaria el manejo de los vst...(la orquesta en sí,,,,con sus rebers,,,,ajustando los mandos de control) y tendras ya mucho conseguido pero sin ilusionarse mucho que aun se puede retocar mucho mas....

-7 Tambien puedes tocar en tiempo real para grabar; pero es un coñazo....(en mi caso)....y no todas las orquestas virtuales van faciles por tiempo real ya que sus KS los tienes que ir cambiando al mismo tiempo....no sé....es cuestion de experimentarlo.

-8 Si usas sibelius, finale, harmony assistant, ect (como yo) deberias de tener minimamente nociones musicales que supongo que las tendrás..lo cual ten encuenta el paso 5....


Mi trabajo es:

Manejar editores de notacion, secuenciadores (la verdad no mucho) y editores de sonidos que todo es = a horas...

Bueno pues no se que mas puedo decirte...espero que este todo claro....

Un abrazo

-Composición en el conservatorio superior de Sevilla.
-Canto y piano en el conservatorio de grado medio de Sevilla.
-Coro Teatro Maestranza de Sevilla.
-Finale 2011,sibelius 7, Notion 3, Miroslav, Eastwest, Vsl, Symphobia, samplitude pro x, adobeauditi

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#4 por Ludwigvan el 20/08/2008
Hola compañero,

Bienvenido al taller :D. Y que sepas que los problemas que tienes son los que tenemos todos..

Cada maestrillo tiene su librillo, y creo que lo importante no es el método sino el resultado. Da igual cómo lo consigas, hay muchos caminos y deberás probar y practicar hasta que encuentres el tuyo. Nadie te dirá que es un camino fácil, pero lo que tengo claro es que es apasionante.

Estoy de acuerdo en muchos puntos con Oscar; especialmente en los puntos en los que te dice que los resultados se consiguen con horas, conociendo todas las librerías que puedas y aprendiendo su manejo. Y por supuesto, que es necesario que el tema esté medianamente bien desarrollado en cuanto a armonía, orquestación, etc, para que gane credibilidad.

En cuanto a los métodos empleados yo he ido evolucionando después de probar muchas formas de trabajar. Lo cual no quiere decir que la forma que yo empleo sea la mejor, sino que es la que mejor se adapta a mi.

Ahora, por ejemplo, no utilizo editor, después de mucho tiempo usándolo; todo lo toco directamente en secuenciador. Cuantizo todo para que quede perfecto, y no toco los parámetros midi más que para igualar la velocidad, para evitar grandes picos. Muchas pistas las exporto completamente planas, a una velocidad 'neutra' (más o menos 80, dependiendo de la librería), en la que suele dar su mejor timbre, para evitar pistas indomables en las que de repente te suena una nota un 180% más alta que la de al lado, cuando en la mezcla esa nota apenas debería ser un 10% más.

La expresividad la trabajo principalmente con la automatización de volumen y con la instrumentación. Por supuesto es sólo mi método de trabajo, y otros utilizan estas herramientas y sus temas suenan de coña. Pero yo no suelo emplear casi nunca articulaciones ni CC, que utilizo casi exclusivamente en pequeñas partes en las que pueda haber un solo o algún instrumento que predomine por encima de los demás.

Por supuesto que a veces es necesario utilizar alguna articulación por la naturaleza del arreglo (trémolo, pizzicato...) pero como norma utilizo bancos sostenidos en legato para todo. Y lo que hago cuando la pieza va tomando forma es utilizar algún banco suelto o keyswitch con staccato, flautando o alguna cosa así, pero sólo detalles. Porque incluso a veces el staccato de librería es demasiado brusco, y lo que tú necesitas son sólo...'notas cortas' y queda mejor utilizar notas pequeñas con un banco sostenido que el staccato agresivo (no sé expresar muy bien lo que quiero decir)

Después de estudiar muchos temas me di cuenta que el 90% del trabajo de articulación o expresión que hacía no se percibía al final, pasaba completamente desapercibido. Es por ello que trabajo hasta la obsesión la automatización de volumen para que la relación entre los distintos elementos sea lo más natural posible (para mí uno de los puntales del realismo...) y cuando todo empieza a estar encajado es cuando retoco mínimos momentos con alguna articulación especial, pero ya sabiendo 'que se va a notar'.

Es como la guinda del pastel, primero haces un pastel que sea bueno y luego le pones la guinda. Me di cuenta que (por lo menos para mí) hacerlo al revés es llenar el pastel de guindas y descuidar la masa, resultando de esta forma de trabajar un tema inconexo, poco creíble y que encima necesita el doble de horas de trabajo.

Muchas veces trabajamos las cosas de antemano pensando en como toca en la realidad cada instrumento e intentándolo emular al máximo. El mejor resultado por lógica debiera ser mejor cuanto mejor sea el trabajo individual de cada pista.

Y sin embargo trabajando con VSTI el resultado (lo que realmente importa) muchas veces no refleja ese trabajo, pues mientras los violines hacen unos spiccattos-marcatos-marteles por parte de padre super currados, resulta que a posteriori decidiste que en ese mismo momento entrasen unas trompas ff que dejarían a las Walkyrias a la altura del barro; trompas que sitúan a esos violines completamente en segundo plano, por no decir que los tapan completamente.

Pues para mí el secreto es en ese momento trabajar esas trompas y ese efecto de entrada (por ejemplo subrayándolo con percusión) olvidándonte de los violines, que en ese momento no pintan nada los pobres. Que no se vayan de madre y punto.

Quizás esa percusión que he comentado no la tenías pensada en un primer momento, pero es el tipo de trabajo que mejora el resultado. Pero sólo sabrás lo que tienes que trabajar cuando el tema esté acabado al 75%...

Incluso podría decirse que primero desarrollo la idea tal como me ha surgido (hasta ese 75%), sin entrar en demasiados detalles, haciendo que suene sobre todo a bloque, compacto, que suene agradable al oído y armonioso. Y a partir de ese momento intento olvidarme del compositor que todos llevamos dentro (que ya ha hecho su trabajo) e intento verlo como un productor.

Aquí falta un timbre distinto que de fuerza a este punto, aquí una percusión que remarque este momento; aquí hay que exagerar el crescendo para que dé más fuerza le coloco una escala, aquí hay que alargar este silencio; aquí las cuerdas quedan poco densas les pongo una tercera, aquí el oboe no suena natural le coloco un delay para que 'vibre' un poco...

Sin tocar la esencia de lo que tenías en mente (eso es importante), se trata de envolver el regalo en el mejor papel que encuentres, dedicando ese último porcentaje de trabajo en cuidar los detalles más mínimos, esos que apenas se oirán pero que darán un plus de realismo y calidad de sonido, que no es otra cosa que conseguir que sea agradable al oído.

Parece mentira como esta última parte del trabajo es tan importante, pero yo me he convencido de esto después de hacer la prueba. El mismo tema, antes y después de los 'arreglos chorras'. Uno puede quedar razonable pero muy plano, y el otro gana un montón de vida. Y sin embargo, la lista de cambios sería absurda, por la insignificancia de cada retoque. Se podría decir que un oyente no experto no sería capaz de distinguir ni una sóla de las diferencias entre ambos temas, pero sin embargo sin duda alguna daría una nota mucho mejor al mismo tema después de hacerlos. Y he hecho la prueba...

Trabajo a la vez en midi y en audio, intentando que la RAM esté tranquila. Cada vez que hago en una pista algo 'sólido', lo paso a audio. Si en el futuro vuelvo a añadir algo en esa pista, pues vuelvo a exportar a audio y sustituyo el anterior archivo. Si tienes la RAM saturada con tropecientos VSTI este proceso tarda mucho, pero si no los tienes sólo tarda unos pocos segundos.

Esta forma de trabajar me permite que el ordenador vaya siempre ligero, algo para mí muy importante pues no tienes que 'esperarle' continuamente. Por eso rara vez tengo más de 2 ó 3 instrumentos cargados a la vez.

También como consecuencia de esta forma de trabajar terminas haciendo la mezcla A LA VEZ que la composición, y eso tiene un monton de consecuencias, para mí positivas. Conforme vas pasando a audio, vas ecualizando las pistas, comprimiendo si es necesario, haciendo que esa nueva pista se integre con el resto.

En primer lugar tiene como consecuencia que la mezcla está más trabajada. Al tomar las decisiones de poco en poco quedará más 'suave' que si exportas al final todo a audio. Siempre será más fácil integrar una sóla pista con el resto que integrar entre sí 25 pistas, que no sabes ni por donde empezar.

Y segundo, que tomarás decisiones de orquestación que variarán ligeramente el plan previsto. En un tutti quieres hacer un pequeño contrapunto con el oboe, que queda chulísimo. Si lo haces en midi, lo dejas ahí y punto, ya lo mezclarás luego

Haces el fraseo y lo exportas a audio. Lo mezclas, lo ecualizas un poco, lo automatizas; y te das cuenta en ese momento de que si lo mezclas bien, apenas se oye frente al conjunto. Lo subes de volumen y te das cuenta de que suena antinatural. Solución? Pues pruebas una flauta. O una trompeta. La mezclas y te das cuenta de que ahora sí se oye; el problema es que en la tesitura del oboe había muchos instrumentos y se necesitaba un instrumento más agudo para que sobresaliera.

Estas pequeñas decisiones, que se traducen sobre todo en cambios de instrumentos o de octava condicionan MUCHÍSIMO el resultado final. Trabajando todo en midi cuando exportes a audio y mezcles no serás capaz de tomar estas decisiones, pues no sabrás cuál es el problema. O por lo menos tendrás muchísima más dificultad para saber averiguar el problema verdadero. Tienes 25 pistas para encontrar un problema...

Muchas veces al tener todo en midi y hacer la mezcla en audio a posteriori se cae en el error de dejar ese oboe como estaba (que no se oirá, y se perderá un bonito detalle) o incluso en el de (mucho peor...) subir artificialmente el volumen del oboe, perdiendo la orquesta credibilidad con ello.

Hemos de razonar que un compositor de orqueta real YA SABE PERFECTAMENTE cómo y cuanto suena un oboe y sabe que en cada caso qué instrumento ha de usar no sólo por su gusto, sino por el timbre, color, sonoridad que le va a aportar. La mayor parte de las veces que un tema VST no me suena bien suelo oir este efecto, instrumentos que suenan demasiado fuertes en relación a los demás, o momentos en los que 'está pasando algo' (algún arreglo bonito) pero no se distingue casi.

Siendo que la mayor parte de nosotros no ha manejado nunca una orquesta real una buena forma de evitar este tipo de errores es mezclar a la vez que se compone, pues será mucho más fácil que el oído nos diga que estamos haciendo algo mal.

Sin embargo, al ir pista a pista y añadiendo cada vez una pieza al rompecabezas, cuando algo no cuadra sabes que es lo último que has añadido. Si no cuadra al 100%, deberás tocar algo. Pues a probar: otra octava, otro intervalo, otro instrumento, otro panorama...

También me gusta el efecto que se produce cuando para un ensemble mezclas sonidos de varias librerías, le suele dar un matiz más cálido y desde mi punto de vista realista.

Y por supuesto, queramos o no para ganar en realismo es casi obligatorio familiarizarse con las herramientas de mezcla de nuestro secuenciador, especialmente con la EQ y la reverb. La compresión dependiendo del estilo también tiene su importancia, pero las otras para mí son fundamentales.

Creo que debemos concienciarnos de que por mucho que queramos, no debemos adoptar el papel de compositor, sino el de productor-compositor si queremos que nuestros temas queden bien. Sólo un par de afortunados merecedores de ese honor han conseguido en este taller que sus obras se interpreten por una orquesta de verdad, el resto (yo por lo menos) aspiro a que mis obras suenen lo más realistas posibles.

Es por ello que hasta en el proceso de composición siempre me paro a pensar si lo que voy a hacer sonará realista sonando con VSTI. Siempre he pensado que temas míos antiguos eran mucho más tocables por orquesta, pero sonaban como el culo. Porque entonces componía pensando en que pudiera ser tocado por una orquesta.

Ahora eso me la p..., jeje. Si algún día tengo ese honor, el mismo que me pague deberá pagar un transcriptor que haga ese trabajo. Lo que decidí hace tiempo es no limitarme con esas historias, pues las posibilidades de que algo mío lo toque una orquesta real son ninguna. Y si llegase el momento, pues ya encontraría la solución, lo que ahora me parece absurdo es dedicarle una parte importante de mi trabajo a algo que me cuesta tiempo y encima me limita.

Por eso durante todo el proceso desde que abro el cubase vacío hasta que exporto el tema por última vez se centra en hacer algo que SUENE lo más realista posible, no que lo sea.

Eso sí, hasta ahora lo que te he explicado es mi forma de trabajar. Consejo, como tal sólo uno: lee todo lo que puedas, prueba todo lo que te digan y vete quedando con lo que mejor te funcione y te suene A TÍ. Lo que a uno le puede funcionar a otro no. Dependerá de tus conocimientos musicales, informáticos, de tu carácter, de mil cosas, y nunca hay que hacer algo porque lo haga el de al lado. Eso sí, pruébalo antes de descartarlo, algunas veces te llevarás la sorpresa de que el que menos 'pinta' tenía te da un consejo que revolucione tu forma de trabajar.

Espero que te sirva de algo semejante rollo...



Salu2
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#5 por JeanJacquesMontreux el 20/08/2008
Vaya, muchas gracias por la acogida y los consejos. He guardado en un .doc vuestras respuestas para no desesperarme y recurrir a ellas cuando me sienta atascado. Os habéis portado dedicando tanto tiempo y espacio a mi respuesta, y eso es algo que valoro muy favorablemente porque mis cuestiones eran un poco generales y todos tenéis cosas que hacer. En cualquier caso, lo que me ha quedado claro es que es cuestión de echarle tiempo y práctica, y en eso haré lo que pueda, tampoco quiero vivir de esto (quizá si tuviese 16 me lo plantearía, pero tengo 24 y estudio Derecho, xD), así que trato de abordarlo solo como uno de mis muchos hobbies. Soy básicamente autodidacta, aunque trato de preguntar y leer todo lo que encuentro cuando me obsesiono con algo. En cuanto a la teoría musical, bueno, digamos que no estoy al nivel de los que se forman de forma ortodoxa (por decirlo de alguna manera), pero tengo algunos libros que he ido leyendo sobre armonía (Walter Piston) y composición (Alan Belkin), más lo que he ido encontrando aquí, que es bastante. El problema es que me gustan cosas muy avanzadas y no se puede empezar la casa por el tejado, xD. El otro día escuchando O. Messiaen me obcequé con los modos de transposición limitada, pero se me van de las manos, así que tuve que ir hacia atrás y centrarme en otras cosas (disposición instrumental de la orquesta, etc...). El otro asunto es que hay muchas ideas y poco tiempo, ojalá pudiésemos aprender en plan Matrix, pero nada, toca aprender como los monos que somos, metiendo el palito en el agujero hasta sacar el jugoso néctar, y para eso toca romper muchos palitos primero, xD.

En fin, lo más molesto es que cuando empiece a dominar (si es que lo hago) algo de esto, ya habrá mil cosas mejores. Secuenciadores del copón y mil librerías con mejor sonido. Qué agobio! #-o

Saludos y muchas gracias. trataré de ser más concreto en mis próximas dudas. xD
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#6 por Oscarotti el 20/08/2008
JeanJacquesMontreux escribió:
En cualquier caso, lo que me ha quedado claro es que es cuestión de echarle tiempo y práctica, y en eso haré lo que pueda, tampoco quiero vivir de esto (quizá si tuviese 16 me lo plantearía, pero tengo 24 y estudio Derecho, xD)


Hola....te digo que nunca es tarde para empezar y tu edad no es tan avanzada, lo que pasa es que la carrera de musica es muy larga (10 años como minimo) y un mundo muy de divos como todo en lo que se compite claro...

JeanJacquesMontreux escribió:
En fin, lo más molesto es que cuando empiece a dominar (si es que lo hago) algo de esto, ya habrá mil cosas mejores. Secuenciadores del copón y mil librerías con mejor sonido. Qué agobio!


Es lo que tiene este mundillo amigo mio....pero no hay que desesperarse sino, ir palante y ver lo bueno del asunto y averiguar o estar al dia de posibles nuevas tecnologias....

-Composición en el conservatorio superior de Sevilla.
-Canto y piano en el conservatorio de grado medio de Sevilla.
-Coro Teatro Maestranza de Sevilla.
-Finale 2011,sibelius 7, Notion 3, Miroslav, Eastwest, Vsl, Symphobia, samplitude pro x, adobeauditi

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#7 por JeanJacquesMontreux el 22/08/2008
Muchas gracias por el ánimo y la invitación a volcarme en lo musical, Oscarotti. A esto debo responder que pese a provenir de familia de músicos no estimularon lo suficiente estas inquietudes en mi infancia (por circunstancias que no vienen al caso) y al final pasó lo que pasó, brotaron por sí solas, y aunque se que quizá no sea extremadamente tarde, sí lo es para mi forma de ver este mundo. Soy bastante exigente e impaciente para empezar profesionalmente a estas alturas, así que me contentaré con abordarlo como un hobby y, quién sabe, quizá después de algún tiempo haga algo decente, :) . Mientras tanto leeré vuestros consejos y absorberé con avidez todo lo que pueda sobre el tema.

Un saludo y muchas gracias, a ver si en breve saco algo de tiempo para grabar algo y lo subo para que me recomendéis. Pero antes seguro que leeréis varias dudas más. xD
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#8 por hectmarr el 24/10/2012
Alguien me puede pasar el bendito manual del usuario de estas librerias? Lo tengo en inglés, y no entiendo bien. Necesitaria de todos ellos, pues los tengo todos. Espero que alguien me`pueda dar una mano. Gracias

Estudia mucho porque la vida es corta y el arte largo...,pero no tanto para ser un cadaver culto.

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#9 por hectmarr el 24/10/2012
Aclaración: necesito en español el manual.

Estudia mucho porque la vida es corta y el arte largo...,pero no tanto para ser un cadaver culto.

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#10 por buhardilla el 25/10/2012
#4
carallo amigo!!! has escrito un compendio de la orquestación MiDI en un post!! ... que bonito :bua: (en serio)
Coincido al 100% con lo que escribes. Es más, tengo una anecdota personal acerca de la idea que aportas de compositor/productor que me ocurrió haciendo un curso de orquestación en Berkley: la almendra de que tu tema suene bien esta en el toque final de la mezcla. Obviamente sin una base melódica, armónica y una arreglo orquestal minimamente decente eso no va a funcionar en la vida. Pero donde más me crujieron y me dieron en los morros en los ejercicios fue justo en niveles, presencia, reverb y compresión final de la mezcla.
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#11 por novoselic el 25/10/2012
#10

Interesante eso que comentas de la mezcla. Podrías comentar un poco más la idea o poner algún ejemplo? En qué fallaste, etc.

Por cierto, el megapost de Ludwigvan es de hace 4 años :grin: aunque siempre va bien subir temas interesantes, que se queda el taller un poco muerto.
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#12 por buhardilla el 25/10/2012
novoselic escribió:
Interesante eso que comentas de la mezcla. Podrías comentar un poco más la idea o poner algún ejemplo? En qué fallaste, etc.

Buff!! con decirte que me terminé comprando el libro de Mixing Audio de Roey Izhaki (ed Focal Press) y todavía lo sigo repasando O:)
La idea que te transmiten en estos cursos es que si un director, o productor, tuviera que escuchar tu maqueta la oiga como lo haría si estuviese en una sala de cine. Obviamente es una orquestación orientada 100% al cine y televisión y esto tiene unas características de sonido muy peculiares. Por ejemplo, hay abierto un hilo aquí mismo muy interesante sobre este asunto http://www.hispasonic.com/foros/cuadro-comparativo-db-instrumentacion-orquestal/413969
Basicamente es que tienes que aprender a mezclar audio como se oye en el cine y seguro que esto no tiene mucho que ver con lo que se oye en un interpretación orquestal en vivo. Por ejemplo ¿como mezclas un piano: con la ubicación de en una platea orquestal o con la imponente presencia de una banda sonora? ¿la profundidad y densidad que da Zimmer a las cuerdas en Piratas del Caribe son "naturales"? ¿y que decir de la percusión?.. La secuencia es la misma: niveles (compresión), panorama,...una mínima eq (si esto es necesario seguro que algo falla en el arreglo), comprarte la mejor reverb/ delay que puedas, y una buena compresión/limitación en el canal master . A mi pej una de las cosas que mas me cuesta es conseguir un buen clímax sin que se ensucie la mezcla al meter tanta sección instrumental. Como te imaginas no hay recetas y si mucho que probar (acierto/error) y por supuesto que otro te lo oiga y te de su opinión
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#13 por novoselic el 26/10/2012
Pues me parece muy interesante lo que comentas. La tendencia general parece ser intentar recrear lo que hace una orquesta de verdad y te acabas dejando llevar por ello pero lo que cuentas para mi tiene mucho sentido.

Voy a empezar por leerme el hilo que has puesto y le echaré un ojo al libro, que no lo conocía. A ver si voy sacando cosas en claro.

Saludos.
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#14 por Donethur el 26/10/2012
Solo puedo decir: cuerdas realistas? EWQL Hollywood Strings es la solucion junto con 8dio Adagio como complemento.
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mod
#15 por Ludwigvan el 27/10/2012
Que el post es de hace 4 añooooos, jaja. Edad media en lo que son Vsts!!!

De hecho por curiosidad he releído lo que puse, y es que no se parece en nada mi forma de trabajar actual.

Claro está que entonces no existía LASS, o los SSD, o....
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