(Por David González)  Por norma general, los fabricantes tratan de etiquetar bastante bien sus juguetes a la hora de sacarlos al mercado, y suelen hacerlo con dinámicos nombres compuestos que hacen que salivemos cual a perro de Pavlov. Pues bien, ‘Premier VST Workstation’ es la leyenda que puede leerse bajo el nombre del instrumento que nos ocupa.

Esto viene siendo un módulo de sonidos con un buen número de instrumentos, efectos y herramientas con el fin de ofrecer a músicos e intérpretes  un entorno potente e inspirador y facilitarles la vida o cuando menos la tarea.

(Por Fabio García) Como músicos o como propietarios de un estudio casero muchas veces nos encontramos ante disyuntivas en el momento de adquirir un nuevo instrumento o equipo para nuestra tarea. En ocasiones buscamos opiniones o consejos, intentando escuchar a usuarios que manifiestan su parecer ante un determinado equipo; pero al fin de cuentas es el propio comprador el que debe decidir utilizando su análisis.

Uno debería preguntarse si está realmente preparado para adquirir un determinado modelo, o mejor dicho, para realizar una evaluación. De no estar preparados, se corre el riesgo de llegar a un veredicto incorrecto.

Después de charlar con usuarios de diferentes modelos de monitores llego a la conclusión de que no existe el monitor de compra obligada para lograr buenas mezclas.

Una de las novedades que nos ofrece la última versión de Live es la Groove Pool, una potente herramienta para manipular el ritmo de nuestros clips de audio o midi.

En versiones anteriores, únicamente podíamos ajustar la cantidad de groove aplicada a los clips de una manera global, y a unos pocos valores de rejilla determinados. Ahora podremos utilizar plantillas, extraer grooves de otros archivos, aleatorizar  y varias cosas más.

[Por Fabio García] En el artículo donde comparé trabajos de The Beatles y Pink Floyd destaqué la grabación del grupo liderado, desde el punto de vista compositivo, por Syd Barret, precisamente por el nivel que alcanzó en su primera producción discográfica.

The Beatles ya contaban con una amplia experiencia en todo lo que respecta a la producción dentro de un estudio; los Floyd llegaban con toda su inocencia, sin embargo presentaron un álbum, al menos en lo que respecta al sonido, impecable.

Encuentro una situación muy parecida con Studio One. Sus competidores llevan muchos años en el mercado con una reputación muy bien ganada gracias a sus logros, y sin embargo, PreSonus se anima a presentar su primera versión de Studio One, y como en el caso de Pink Floyd, tengo que decir que presenta una aplicación de nivel profesional.

¿Quién no se ha enterado del reciente lanzamiento del Apple iPad? Pues bien, más allá de la polémica habitual que rodea a los productos de Apple, nosotros hemos querido fijarnos en las posibilidades que este dispositivo puede ofrecer en el estudio o en actuaciones en directo. Tengamos en cuenta que el iPad comparte sistema operativo con el iPhone, y hay un gran número de aplicaciones musicales para iPhone que se podrán utilizar en el iPad.

Dejando aparte la gran variedad de juguetes musicales que pueden encontrarse en la App Store (pianos virtuales, colecciones de sonidos cachondos y cosas por el estilo), el uso más interesante que podríamos darle al iPad es el de superficie de control para nuestro DAW, gracias a su pantalla multitouch de casi 10". Y hemos pensado que una buena manera de medir las posibilidades del iPad como controlador es compararlo con un producto especializado de propósito similar, como el Jazzmutant Lemur. 

Tened en cuenta que haremos una comparativa teórica y basada en especificaciones y especulaciones, ya que el iPad aún no está a la venta y no hemos podido probarlo.

(Por Fabio García) Hace un par de años tuve la responsabilidad de formar una banda para una presentación en la que se lanzaría la primera producción de un grupo vocal. Yo mismo había estado involucrado con las cantantes desde el inicio mismo del proyecto, componiendo, tocando y realizando la grabación.

Hasta ese momento, la producción sólo se había desarrollado dentro del estudio, con la asistencia de un par de músicos amigos que prestaron sus solos. Si bien algunas canciones ya se escuchaban en algunas estaciones de radio, y se habían realizado varias presentaciones empleando pistas de apoyo (playback), llegaba el momento de salir al encuentro del público con una banda, y debo decir que encontrar los músicos fue una tarea complicada.

Si bien esa experiencia sucedió hace un par de años, recientemente, asistí a un recital de bandas de estudiantes y la sensación que tuve fue aún más abrumadora: cantantes fuera de tono, guitarristas preocupados por tocar más alto y más rápido olvidándose de las melodías y los tiempos, bateristas sin sentido del ritmo, y cosas por el estilo. Los mejores representantes los encontré en el bajo y en los teclados. Encuentro algunas explicaciones para eso pero no vienen al caso.

La síntesis virtual está logrando instrumentos sorprendentes; no obstante, siempre estarán presentes las comparaciones con sintes hardware, y muchas veces se habla acerca de las bondades del sonido obtenido con las teclas “reales”.

Tiempo atrás, tuve la oportunidad de ver y escuchar el recital de Genesis en Roma, grabado en 2007. Si bien disfruté del recital debo confesar mi decepción al escuchar ciertos sonidos de teclados, tan prominentes en la música del grupo. Los noté carentes de peso, de calidez, y al contrario de lo que muchos pueden suponer, salían de sintes hardware actuales. Estoy seguro de que si Tony Banks hubiese utilizado Gladiator de Tone2 el resultado hubiese sido otro.

Hoy queremos contaros cómo se hizo el tema oficial de Madrid 2016, "Tengo una corazonada"  (I feel it in my bones). Su productor, Antonio Escobar (un hispasónico al que ya conocéis por sus magníficos tutoriales de mezcla), ha subido un vídeo a Youtube con algunas tomas del proceso llevado a cabo en su Antipop Studio:

El vídeo refleja el día de la grabación de guitarras y la primera mezcla. Después de eso hubo dos semanas de cambios. Según Antonio, "la música se hizo antes que el montaje, y cada vez que había un cambio de montaje había que hacer un cambio de música. Además, la duración de la canción ha oscilado muchas veces. El arreglo de cuerdas que hay en la versión final se agregó justo una semana antes".

BassySM-J de Acousticsamples está creado con muestras del famoso bajo de cuatro cuerdas MusicMan Stingray, ejecutado utilizando cuerdas de tipo roundwound.

El sonido de las muestras – de primer nivel – fue tomado directamente desde la salida de un preamplificador de bulbos (valvular). Los samples fueron capturados con una resolución de 24 bits y con una frecuencia de 44.1kHz, más que suficiente para grabar sonidos de bajo.

En su conjunto, el grupo de samples posee un  tamaño de 1.42 GB, y está integrado por muestras que capturan 11 niveles de intensidad para las notas ejecutadas con sostenimiento; muestras de 15 capas de intensidad para los sonidos release – en palabras sencillas, aquellos que se reproducen en la parte final de cada nota –; muestras de ruidos provocados con las cuerdas, de notas “Ghost” y de armónicos.