Sonido en vivo

Mezclamos música, no sonido: los pilares de la mezcla

Mezcla en vivo

Recibimos un curso de ajuste o un cursillo de sonido acelerado y ya nos creemos unos auténticos profesionales del sonido. Pero me pregunto cómo es que vamos de profesionales si aún no sabemos ni mezclar música. Para intentar poner remedio a este tipo de situaciones, inicio una serie de artículos que deberían ayudarnos a tener un poquito más claras las cosas que tienen que ver con la mezcla.

Arranquemos por algo sencillo de entender. Hablaremos ya no tanto de sonido, sino de música y de los pilares de la mezcla desde un punto de vista exclusivamente musical, que son: base rítmica, instrumentos armónicos, melodía y contrapunto.

Un buen truco para mezclar e incluso componer bien, es saber clasificar los instrumentos de nuestras producciones dentro de esas cuatro posibilidades (a veces se hace necesario crear alguna subsección más). The Beatles grabaron la mayoría de sus álbumes en cuatro pistas, porque a la hora de ordenar su trabajo se pensaba de un modo totalmente musical.

Por tanto, para empezar deberíamos conseguir un buen equilibrio entre:

  • Base rítmica: dependiendo del estilo musical, la base rítmica puede estar conformada por diferentes tipos de instrumentos. Por lo general, en pop, rock y en electrónica y sus aledaños musicales, la base esta conformada por batería y bajo, pero por ejemplo en una big band, puede además incluir instrumentos como el piano y la guitarra eléctrica —que además del ritmo, nos portarán la armonía—.
  • Instrumentos armónicos: como vemos todo depende del estilo musical, pero los instrumentos armónicos son los que nos aportan la armonía musical o base armónica. Puede ser proporcionada por diferentes tipos de instrumentos: por lo general, en pop, rock, electrónica y similares esta formada por instrumentos de teclado, piano (acústico o eléctrico), órganos o pads de cuerdas —a veces sintéticas—. Esta aportación también la puede proporcionar una guitarra de base que solemos llamar guitarra rítmica, pero que en realidad aparte de ritmo nos da la armonía del tema. En una big band, el piano y la guitarra juegan un doble papel (rítmico y armónico), pero en este caso apenas suelen tener un papel protagonista en cuanto a solos como en otros géneros, pues la big band, como todo el mundo sabe, cuenta con secciones de viento madera y de viento metal, que se reparten el resto de papeles a interpretar: la melodía y el contrapunto.
  • Melodía: La melodía suele estar interpretada por una línea solista (voz o instrumento solista) o bien por una sección al completo, como en el caso de una big band o de una orquesta sinfónica.
  • Contrapunto: El contrapunto es una sección o instrumento que responde a la línea melódica, por ejemplo en rock debería ser lo que hace un guitarrista para dejar los huecos que deja la melodía o línea vocal, por eso lo llamamos fills (relleno), por favor!!, querid@ guitarrista si no quieres que el productor borre la mitad de lo que tocas, toca solo en los huecos que deje la voz, esto también vale para el directo.

Hay trucos técnicos para solucionar todo este tipo de problemas (edición y side chain), pero es mejor que no toques de más. Todo el mundo se va a fijar en ti si lo poco que haces está hecho con muy buen gusto, y por tocar menos no debes preocuparte, pues vas a cobrar lo mismo —si es que pagan—.

Querido teclista —lo mismo que mi amigo guitarrista—: tu mano izquierda puede estar más relajada de lo que crees si en tu banda hay bajista. En música, dos son multitud; también vas a cobrar lo mismo —si es que pagan—, y además tu grupo va a sonar mejor, incluso si el técnico que te toca esa noche no sabe mucho de música. Este tipo de apreciaciones deberían ser muy útiles para quien mezcla, porque cuando hay arreglos de más implicarán procesos de más; por ejemplo, el uso de HPF para eliminar ese bajo extra que nos aporta el teclista de la banda, o bien el uso de un side chain en los instrumentos que entorpezcan la línea melódica —al menos en frecuencia y definición—. Cuánto trabajo les vamos a ahorrar a los pobres masterizadores —o martirizadores, diría yo—.

Mezclando música
Joe Mabel 2007

¿Hay reglas fijas en esto de la mezcla? Lo cierto es que no: cada canción y cada arreglo musical son problemas muy diferentes (me pregunto: ¿dónde quedó la figura del arreglista?). Lo cierto es que no existe un criterio único a la hora de mezclar. Está claro que hay pautas, y hay referentes icónicos en lo musical según el estilo y época; es por esto que existen jerarquías muy diferentes a la hora de mezclar.

No es lo mismo mezclar reggae (bajo más presente), rock (guitarras más presentes), que un cantante melódico (voz más presente) o una big band, donde la base musical la conforman la totalidad de los instrumentos típicos de un grupo de pop. Este hecho puede condicionar incluso el orden en el que comenzamos a realizar la mezcla.

Empecemos por algunas cuestiones muy básicas. ¡Muy importante! Mezclamos música, no sonido; el sonido (su impacto: compresión, distorsión, volumen) nunca es más importante que la propia música. Intentemos balancear correctamente estas secciones y voilá: los oídos del publico y de los melómanos lo agradecerán eternamente.

A diario oigo en festivales gente que sonoriza individualmente los instrumentos de un modo correcto, pero mezclados horriblemente mal. Esto se debe a una falta manifiesta de cultura musical: hacer rock, funk o reggae y que parezca que te has olvidado el bajo en casa, pues como que NO tiene perdón alguno.

Es muy importante que tengáis un buen sistema de monitorización o unos buenos auriculares, seáis músicos o técnicos. Para adquirir una buena cultura musical de un modo real y del todo objetivo, necesitamos en realidad un sistema lineal (full range) y que no coloree. JBL era famosa en los años 70 por tener una respuesta muy hi-fi (muy coloreada), basada en poner remedio a lo aportado por las famosas curvas de Fletcher and Munson. Saber que el oído oye peor en los extremos del espectro puede ser una ventaja comercial, pero no el monitor que necesitamos para ver el mundo tal y como es. Esa filosofía de "vamos a dárselo mascado con una curva de sonrisa o de bañera" (la forma en la que queda un ecualizador), con graves y agudos realzados, es como darle puré a un bebé porque aún no tiene dientes; eso es un error cuando ya eres un adulto, así que para valorar la música tal y como es, necesitamos un buen sistema de monitorización o un buen sistema de PA. El primero nos cuenta la verdad de nuestras mezclas; el segundo nos permitirá amplificar sin miedo al feedback.

Tras 35 años detrás de un mezclador en directo y en estudio puedo hablar con mucho fundamento de los errores que cualquiera puede cometer al iniciarse en el mundo de la mezcla musical —porque muchos de ellos ya los cometí en su momento— así que hablo desde la autocrítica que todos deberíamos tener y desde la experiencia que me da el querer sonar mejor cada nuevo día.

Continuará…

[ Sigue en ¿Para quién hacemos sonido? ]

Michel Martín
EL AUTOR

Productor musical, ingeniero de sonido, consultor independiente y formador en CICE. Titulado en Sistemas de Audio y Sonorización por la Universidad Politécnica de Valencia, y con estudios de electrónica, psicoacústica, música, acústica y electroacústica, cuenta con una gran trayectoria profesional: más de 35 años en el mundo de las grabaciones y la sonorización, en multitud de giras de gran renombre (más de 4.500 conciertos). Miembro y vocal de la AES España, ASARP y portavoz de AMPE. Inventor del sistema de realidad virtual 4D VR.

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Comentarios
  • #1 por Nathan Cifuentes el 25/07/2016
    Me parece a mí que esto va a ser interesante, estoy esperando desde ya mismo la segunda parte.

    Tengo que hacer un comentario acerca de algo que dices:
    A diario oigo en festivales gente que sonoriza individualmente los instrumentos de un modo correcto, pero mezclados horriblemente mal. Esto se debe a una falta manifiesta de cultura musical: hacer rock, funk o reggae y que parezca que te has olvidado el bajo en casa, pues como que NO tiene perdón alguno.

    Totalmente de acuerdo con eso. Todos los años (y diría que cada vez más) en conciertos públicos, festivales y demás estoy escuchando bandas de todo tipo y rápidamente llego a la conclusión de si el técnico es el de la empresa que pone el equipo o si es el propio de la banda. Todavía cuando la música es 'comercial' el sonido quizás es más correcto, más 'estándar', pero cuando nos metemos en bandas de punk, rock, metal, jazz, funk... a veces hay cosas que no funcionan. Baterías con demasiada o con muy poca pegada, guitarras escondidas, voz altísima... He visto a bandas de jazz sonar como si Lamb of God en mitad de sus conciertos tocasen una de Miles Davis.

    Como experiencia personal diré que recientemente mi banda estuvo en un festival de rock duro y heavy metal de las fiestas de un pueblo, que se hacían en el camión escenario de una orquesta, con parte de su equipo y sus técnicos. El resultado era una especie de 'soft-metal', con el bombo y las guitarras atrás y con la voz por las nubes. Algo así como cuando Bisbal mete guitarronas en sus temas, que son brutales pero están muy atrás y sigue sonando a pop-rock.
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  • #2 por Julius@Wikter el 25/07/2016
    #1 por descontado, si el técnico va hasta las trancas de hierba o de alcohol, lo que se oiga y lo que escuche él puede variar mucho.
    También los hay que ajustan mezcla con auriculares, o con tapones en los oídos para que no les moleste la presión sonora, lo de bajar volumen no les va...
  • #3 por RaulMX el 25/07/2016
    Con las escuelas se a perdido el vinculo con el artista, ahora los técnicos se manejan por estandares en lugar de por potenciar el sonido del artista y mas cuando todos manejan un genero musical similar, por ello no hay cambio de sonido entre uno y otro o los cambios son tan insignificantes únicamente para controlar el cambio de instrumentos que muchas veces son imperceptibles.
  • #4 por iorio76 el 25/07/2016
    La técnica se puede aprender, pero el bagaje musical no... Se empieza desde pequeño a escuchar música, mucha música y así hasta el final de nuestros días, y eso no te asegura haber escuchado lo suficiente. El talento es la unión de ambas, y tampoco te asegura nada.
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  • #5 por exabyte el 25/07/2016
    El técnico debería estar en el escenario como un músico más y un miembro del grupo. Muchos grupos deberían tener como artista principal a su técnico.
    ¿Artistas técnicos?
  • #6 por espi1024 el 25/07/2016
    Soy técnico especializado en REGGAE y similares, y alguna vez puesto que ensayo los fx con la banda en su local se me ocurrió la idea de ponerme en el escenario, y fue tal cara de perplejidad de los conciertos que montaban el Festival o concierto en sala que desistí del intento .

    Gracias Michel por seguir en la enseñanza a mi me abriste los ojos en el sae y recuerdo con cariño tus clases.
  • #7 por Roberto el 26/07/2016
    Por fín un Ingeniero que habla de conceptos musicales, que es lo que les falta a algunos que sólo ven dinámicas, equalización y compresión.

    Enhorabuena por el artículo.
  • #8 por pacorreto el 26/07/2016
    Totalmente de acuerdo.
    Pienso que hay demasiados "no músicos" con máquinas capaces de hacer demasiadas cosas, sumado a una libertad extraña del "prueba sin miedo a ver que pasa" (y lo llamaron creatividad).
    Considero que tanto si estás a los mandos o como intérprete en el estudio, hay que ser TOTALMENTE músico ante todo y, por tanto tener el vocabulario y el conocimiento que lo demuestren. Y no es que diga que no haya gente del "otro lado", pero cuanto más sean, más riesgo de no saber solucionar MUSICALMENTE ciertas cuestiones que se pudieran plantear (a que nonconocéis a ningún aficionado de pintura que haya hecho una exposición en una sala muy importante?)
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  • #9 por Mister Carrington el 26/07/2016
    Perfecto el artículo y completamente de acuerdo. Espero que a más de uno no le guste porque esa será razón de verse reflejados en el espejo de la incompetencia y desgana profesional.

    Aunque yo sigo en mi 'r' que 'r'.¡Por Dios reducid la presión sonora! Más calidad y mucha menos cantidad :-)
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  • #10 por Bill_Chains el 26/07/2016
    Opino que antes de ser técnico se debe ser productor musical, o por lo menos músico... ¿cuantas veces se han cometido aberraciones tanto en directo como en estudio tales como hacer que un tablao flamenco suene a tecno?!
    Gracias Michel por compartir una sensata reflexión
  • #11 por TpuntoGarcía el 27/07/2016
    Yo que lo veo desde el lado del músico, opino que es totalmente distinto el trabajo del músico al del técnico.

    Pero creo también que el que los unos y los otros tengan conocimientos de la otra parte, beneficia al conjunto.

    Soy (era) teclista, y cosas como dice el autor del articulo:

    "Querido teclista —lo mismo que mi amigo guitarrista—: tu mano izquierda puede estar más relajada de lo que crees si en tu banda hay bajista"...

    ... Es uno de los mandamientos de la biblia de los musiqueros (músicos y técnicos).


    Hay mucha gente que toca muy bien su instrumento (no me seáis bordes :paletas: ) y se la trae al pairo este tipo de cosas, al mismo tiempo hay muchos técnicos que saben donde girar un pot cuando se debe tocar, pero luego "mutean" a algún miembro del grupo y se quedan tan anchos. (Por poner un ejemplo)

    En los ensayos nosotros mismos (músicos) teníamos en cuenta este tipo de cosas, es cuestión de poner un poco de "oido", y de querer aprender.

    Aplaudo al autor del artículo por sacar este tema, y estoy totalmente de acuerdo con él.

    Ojalá haya mas artículos y la gente aporte.

    SL2!
  • #12 por LUPIBLUES el 27/07/2016
    Coincido totalmente con Michel. ¡Cuanto daño ha hecho la cultura del "preset" en los DAW's! :-)
  • #13 por Relic el 27/07/2016
    Había leido una entrevista que se le hizo en una conocida revista de Audio y que me encantó y casualmente, mediados de los 90's, coincidimos en una actuación que Michel sonorizaba a "La Unión"... (espero no equivocarme de Michel... :desdentado: ) y yo llevaba el sonido a una de las grandes Orquestas de entonces al lado, esto típico de "Orquesta y Atracción".

    El representante nuestro, que llevaba la zona aquella nos presentó y estuvimos allá "invadiendo su espacio" buena parte de la tarde.
    Si he hecho de una u otra forma alrededor de 2.000 fechas relacionadas con la música hasta ahora, no me quedan muchos recuerdos, pero aquel día, no se porqué lo tengo grabado en la memoria. Un grande.

    Quizá me llamó la atención la forma de probar el sonido, de trabajar o las circunstancias del día aquel.

    Enhorabuena por la idea. O:)
  • #14 por Raygun el 27/07/2016
    si una banda, dj set, sound system, programa de rario-emisora o artista quiere sonar con su sonido en todo su explendor, tiene que saber aliarse un tecnico que apoye su sonido al 100% ser un amigo constante del musico coincidiendo en los mismos gustos y el que musico tambien sea igualmente amigo del tecnico, es dificil conseguir eso, por que es cuando tu musica logra mas nivel, cuando musicos y tecnicos trabajan en el mismo proyecto con la mismas aspiraciones, todo funciona mejor y se mejora concierto tras concierto, eso se nota en directo y cuando contajian al publico y gustan es cuando logran fans, por la calida y todo lo que se hace para ese publico.

    si no tienes tu propio tecnico no podras sonar bien nunca y nunca estaras satisfecho, y tampoco evolucionaras y nunca gustaras del todo. por muy bueno que seas un tecnico que solo quiere irse a casa con su dinerito despues de un bolo y esa clase de gente no te va a hacer ningun fabor por que no le sale de la oreja o simplemente no le apetece trabajrselo mucho, solo ira a cumplir esa noche y luego ¨si te e visto no me acuerdo¨
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  • #15 por pepe potamo el 27/07/2016
    es dificil "pillar" el rollo de un grupo cuando solo has probando a las 6 para una actuacion a las 11, dicho esto, que queda como una lanza a los pobres "freelance", vamos al meolllo, Primero: el bombo no es el cantante !!...algunos me imagino que sabeis de lo que hablo, Segundo: la potencia no importa, esto es, si tienes potencia para llegar con calidad a 1.000 "personas humanas", no intentes "rascar" para 5.000 Tercero: que mas da que la tengas mas grande...digo la mesa, con infinidad de paginas y super-poderes, una voz es una voz. Cuarto: si el musico dentro del escenario no se oye de P...madre mal andamos...y lo dejamos en el Quinto: hay que ser musico, productor y audiofilo de toda clase de musica para poder "entender" que quiere entregar el grupo a la gente...bueno espero que añadais mas punticooo...OK?
  • #16 por Asnósis el 28/07/2016
    Muy buen artículo y además con mucha razón. Esperando los demás que sigan la serie.
  • #17 por pepe potamo el 29/07/2016
    hilo muerto...y creo que enterrado...
  • #18 por Josh el 29/07/2016
    muy buen artículo. Gracias!
  • #19 por PHONORAMIKA el 29/07/2016
    Repeto al profesional del artículo por su experiencia y conocimientos.
    El artículo en cuestión no creo que aporte las claves que seguro que sabe y que se esperaban del encabezamiento del mismo.

    Basicamente arroja una idea-tésis interesante y luego escuchamos unas afirmaciones que con todo el cariño... No aportan mucho, mas allá de que nos queda claro su experiencia como profesional a nivel curricular.

    Los comentarios si que van dando mas luz al tema. Ánimo
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  • #20 por Gonzalo Solas el 01/08/2016
    He de reconocer que mi tendencia es otra. Cada vez más me interesa la parte sonora pura y dura y menos la de producción. Cuando trabajas con un buen equipo (humano), con buenos músicos, buenos productores... No es necesario que tengas que hacer su trabajo, ya están ellos pensando en lo musical desde un prisma profesional muchísimo mas amplio que el tuyo. Y de la misma manera, a nivel sonoro me parece a mí que tenemos bastante más que aportar nosotros que ningún músico o productor, y además pienso que no es poco el trabajo que hacemos para tener que abarcar el de otro.
    De todas maneras muy buen artículo y mi agradecimiento por compartir tus opiniones y experiencia.