Posicionamiento Orquestal: La Reverberación puesta en prácti

Hola, aunque no postee por aquí os leo bastante. Con el tema de las "reverbs" orquestales he encontrado más luces que sombras, contradicciones y lío. En fin, me te topado con un artículo que me ha parecido interesante (para un novato como yo) y lo he traducido después de comer, es mi manera de devolver toda la info que tenéis aquí y que uso habitualmente. Os dejo un enlace con el original y otros artículos del autor (Mattias Westlund). Un saludo y gracias.

Original de Mattias Westlund.
http://mattiaswestlund.net/?page_id=448
Orchestral Positioning: Reverb in practice.
Otros artículos del Autor sobre el tema:
http://mattiaswestlund.net/?page_id=29
Música del autor en Soundcloud:
https://soundcloud.com/mattiaswestlund
Traducido libremente y sin pararme mucho (que es muuuy largo...) por KaRPiN.



Posicionamiento Orquestal: La Reverberación puesta en práctica.

1. Un único “buss” de reverberación.
La forma más fácil de configurar el efecto de reverberación orquestal es empleando una única aplicación como efecto de envío. Esto te permitirá situar todas las secciones orquestales en un espacio único y coherente, y podrás ajustar su ubicación (de adelante a atrás) simplemente cambiando los niveles de envío. Cuanto más reverberación añadas a cada sección, más lejana parecerá y viceversa. Incluso si este método no es 100% óptimo, por las razones discutidas más adelante, creo que realmente debería ser tu punto de partida. No intentes meterte en mayores profundidades hasta que hayas explorado las posibilidades de emplear un único envío.
El motivo de emplear inicialmente esta estrategia es que es una solución inmediata y de recorrido. Es fácil de manejar, su consumo de recursos es relativamente pequeño, y puede sonar bien siempre que emplees una buena aplicación y seas capaz de configurarla para que funcione correctamente con todos los instrumentos. He ahí la principal parte de la tarea: configurar de tal modo la reverberación que suene bien en todos los instrumentos, tanto los melódicos como los percusivos. Después de eso lo único que tienes que hacer es aplicarla en las cantidades apropiadas a cada diferente sección, y ya lo tienes hecho.
He dicho configurar la reverberación conscientemente puesto que no soy un defensor de usar los ajustes previos (presets) más allá del mero punto de partida. La mayoría de las aplicaciones no están concebidas para ser usadas en situaciones de la vida real, simplemente son un muestrario de sus prestaciones y capacidades. Así que hazte un favor y cultiva el hábito de explorar las “reverbs” (y otras aplicaciones) más allá de los valores predeterminados incorporados.
Si le das una oportunidad a lo comentado anteriormente, te darás cuenta inmediatamente que a mayor cantidad de envío de reverberación mayor será el volumen de la pista en cuestión. Esto es lo esperable puesto que la señal “seca” (sin efecto) original está ahora doblada con la versión “húmeda” (con efecto) de la misma. Una vez que hayas encontrado el correcto balance entre la señal original y la que lleva la reverberación incorporada, simplemente baja el volumen un par de decibelios si es necesario.

2. La magia detrás del parámetro: Pre-retardo (predelay)
Seguir la estrategia anterior puede dar como resultado que todo nos suene un poco plano, sin amplitud (en términos de profundidad, no de tono) puesto que todos los instrumentos comparten los mismos tiempos de pre-retardo y la misma cantidad de reflexiones iniciales (early reflections).
Alguna gente afirma que los instrumentos situados en la parte trasera deberían tener un pre-redardo mayor que los situados en la parte delantera. A simple vista, esto parece tener sentido puesto que el sonido posterior tarda más en llegar a los oídos del oyente. Pero si piensas en ello, debería ser justo al contrario. Por ejemplo, la posición del primer violín se ubica en la parte delantera de la orquesta y tú oirás su sonido directo una fracción de segundo antes de que las reverberaciones de la sala lo golpeen. En otras palabras, un pre-retardo definido. Por otro lado, un golpe de tambor en la parte posterior de nuestra orquesta habrá llegado tan difuminado y mezclado con las reverberaciones de la sala cuando alcanza tus oídos, que no podrás de hecho percibir ningún sonido “seco”. En otras palabras, sin pre-retardo.
Configurar los diferentes tiempos de pre-retardo de las diferentes secciones es fácil si usas multiples “busses” de reverberación. Si estás usando un único “buss“ de reverberación todavía podrás ser capaz de lograrlo si tu estación de trabajo de audio digital (DAW) te permite dirigir (enrutar) las señales libremente. Si no estás seguro de si es posible consulta la documentación de tu DAW, en mi caso, empleo REAPER que permite un “enrutamiento” muy flexible y lo haría del siguiente modo:
En primer lugar, asegúrate que la reverberación está ajustada con valor 0 de pre-retardo. Entonces crea dos nuevas pistas. Inserta una aplicación de reverberación en cada pista (simplemente para asegurarte que es una pre-retardo stereo). Ajusta ambos pre-retardos a 100% húmedo (wet) / 0% seco (dry), y entonces ajusta al primero digamos a 40ms de tiempo de retardo y el segundo a 20ms. Asegúrate que la retroalimentación (feedback) y otros valores están desactivamos en los retardos de modo que consigas una señal limpia, simplemente con un ligero retardo. Deshabilita los envíos del Master en los “busses de retardo” de modo que los retardos no estén alimentados por la salida del Master. [Nota traducción: “so the delays are not fed to the master output”, no tengo claro que la traducción sea correcta]. Entonces “enruta” las dos pistas hacia la: “Reverb 100% wet”. Finalmente envía los instrumentos situados en la parte delantera a la primera pista de pre-retardo, los instrumentos en una ubicación intermedia envíalos a la segunda, los posteriores directamente a la reverb. Voila- una reverberación y tres diferentes pre-retardos.
Sin embargo todo esto es un arreglo y aquí surge la dificultad. Incluso con diferentes tiempos de pre-retado, todas las secciones tendrán el mismo balance entre reflexiones iniciales y finales (early/late reflections). Tú tendrás que vivir con eso o considerar utilizar …

3. Multiples “busses” de reverberación
Para obtener resultados óptimos deberías optar por varios “busses” empleando el mismo sonido de reverberación pero con ajustes sutiles que imiten el modo en que las ondas se comportan desde diferentes distancias. Yo normalmente uso 3: frontal, intermedio y posterior - más un sala de ambiente para varios instrumentos de percusión que quiero separar del resto de la reverberación de la sala. Aquí un simple borrador de como los configuro y “enruto”.
Frontal:
Configuración: pre-retardo más largo, rico en reflexiones iniciales y ataque lento.
Instrumentos: cuerdas y arpa.
Intermedio:
Configuración: pre-retardo medio, reflexiones iniciales menos pronunciadas, ataque medio.
Instrumentos: instrumentos de viento (maderas) y trompas.
Posterior:
Configuración: Sin-preretardo, sin reflexiones cortas, ataque rápido, altos menos pronunciados.
Instrumentos. Trompetas, trombones, tuba, percusión, coro.
Todo esto es por supuesto sólo es aplicable 100€ en mi configuración personal.

4. Mezclando múltiples librerías
Configurando profundidades con “busses” de reverberación y niveles normalmente funciona bien con muestras que tienen un ambiente natural, pero peor con aquellas en posición de micrófono cercano (close mic’d). Una trompeta “seca” con una reverberación de sala por encima, no suena como una trompeta tocada en una sala. Suena como … una trompeta seca con una reverberación de sala por encima. No tiene use característico espacio que oyes al escuchar un instrumento real que es tocado a cierta distancia. Simplemente flota ambiguamente en algún lugar ahí fuera, una señal seca mezclada con una húmeda.
Si estás mezclando muestras de diferentes librerías y encuentras que hay desorden en el posicionamiento orquestal, y no eres capaz de arreglarlo con diferentes “busses” de reverberación y niveles, hay una aplicación gratuita llamada PROXIMITY que podría resultarte útil. Proximity te permite usar varios modelo psicoacústicos, y puede hacer que una cercana suene más lejos y viceversa.
Puedes usar este programa con un efecto de inserción si hay sólo unos cuantos instrumentos que necesitan retocarse. Para ajustar la Profundidad-Z de secciones enteras o familias de instrumentos, es mucho más fácil crear un submix de las pistas que quieres modificar y añadir una instancia de Proximity para cada uno de ellos.

5. Cuando varios son multitud.
¡Nunca uses diferentes reverberaciones como inserciones para los canales de cada sección! Si tu aplicación tiene ajustes llamados, por ejemplo “Grandes Cuerdas” o “Sala de Percusión” o “Sala de Metales”, puede parecer tentador usar uno diferente en cada sección respectiva. Esto es una mala idea por muchas razones. Primeramente, está casi garantizado que suene más que mal. Esos ajustes previos no están concebidos para trabajar juntos y entrarán en conflicto, dejando tu composición hecha una maraña sin sentido de coherencia espacial. En segundo lugar, no será en absoluto realista. ¿Cuándo fue la última vez que has visto una orquesta interpretar una pieza con los metales en una sala y las cuerdas en otra? En tercer lugar, las buenas reverberaciones pueden tirar bastante de procesador y tener más instancias de las que realmente necesitas es un completo desperdicio de CPU en caso de que tengas una máquina modesta.
Dicho eso, hay por supuesto situaciones donde puede que necesites usar una reverberación totalmente diferente para uno o algún instrumento de una mezcla. Percusión orquestral atípica o pequeños bucles de percusión (loops), es mejor dejarlos separados del resto de la orquesta. Un bucle repetitivo de un agitador (shaker) empapado un reverberación de sala se convertirá en un ruido de lavado de fondo que ahogará los matices de los otros instrumentos y distraerá la atención del oyente. En consecuencia es normalmente mejor poner chismes como ese delante de todo lo demás y usar una reverberación mucho más pequeña. No es realista, no, pero escucha unas pocas bandas sonoras de películas de acción y encontrarás que es lo suficientemente común para que no nos cause extrañeza.

Pues muchas gracias por el curro KaRPIN, aunque ahora no tengo tiempo para leerlo con detalle me hago ya seguidor de este hilo para cuando lo tenga

Gracias, directo a mi carpeta de hilos favoritos, lo leeré con más calma después.

Solo una duda, en el primer párrafo, se refiere a que es mejor que cada instrumento tenga un efecto de reverb personalizado, o que el reverb sea general a todo el tema (en el máster)? no me ha quedado muy claro, parece que dice lo segundo, pero cuando matiza que el efecto se "retoque" después para cada instrumento, parece que se refiere a lo primero, porque a mi al menos no se me ocurre una manera "intermedia" de hacerlo....

Juan Bauti (aka Skinny) escribió:

Solo una duda, en el primer párrafo, se refiere a que es mejor que cada instrumento tenga un efecto de reverb personalizado, o que el reverb sea general a todo el tema (en el máster)?

Buenas, por lo que yo entiendo y coincide con lo que mis profes me han dicho, lo que haces es crear un "reverb general" y este lo ruteas a todos los intrumentos, de forma que puedas aumentar o disminuir su presencia en cada instrumento por separado, pero solo tengas cargado en el DAW un solo reverb.

La verdad que el post es un currazo! Muy buen aporte y muy interesante, gracias KaRPiN.

Me alegro que a alguien le pueda resultar útil (para mi lo ha sido). Tal como dice Horosh, en la primera parte se refiere a usar una única reverb general.

Un saludo.

Muy, muy interesante, gracias por compartirlo.

Yo ya dejé ese sistema para posicionar los músicos. El plugin Virtual Sound Stage ya lo hace por mí. Coloco a cada uno en el escenario que sale en pantalla, un único envío de reverb a la mezcla, y me olvido del asunto. Ni siquiera paneo las pistas. Según donde ponga a cada uno, el plugin calcula las primeras reflexiones, la cantidad de sonido directo, la cantidad de aire entre cada uno y yo, y la panoramización de cada parámetro. Importante esto porque no sólo se panoramiza al músico sino que debemos panoramizar su reverb. El plugin lo hace todo.

Saludos.

Hola KaRPIN.

Tengo una pregunta. Las librerías actuales vienen con grabaciones de los samples en distintas posiciones: close, stage, surround...etc. Eso no ayuda a conseguir un resultado óptimo con la profundidad de los instrumentos en la producción final? Alguien que me pueda guiar en esto.

Gracias por compartir.

teniente_powell escribió:

Yo ya dejé ese sistema para posicionar los músicos. El plugin Virtual Sound Stage ya lo hace por mí. Coloco a cada uno en el escenario que sale en pantalla, un único envío de reverb a la mezcla, y me olvido del asunto. Ni siquiera paneo las pistas. Según donde ponga a cada uno, el plugin calcula las primeras reflexiones, la cantidad de sonido directo, la cantidad de aire entre cada uno y yo, y la panoramización de cada parámetro. Importante esto porque no sólo se panoramiza al músico sino que debemos panoramizar su reverb. El plugin lo hace todo.

Pues no conocía ese plugin, tiene buena pinta, parece muy práctico sobre todo para composición orquestal con muchos instrumentos que manejar

Sobre Virtual Sound Stage, hay varios demos y tutoriales en Youtube, yo personalmente uso altiverb, pero tiene buena pinta sobre todo porque da varias posibilidades, situar coro o no, cargar una orquesta de camara o sinfónica etc.
https://www.youtube.com/watch?v=y_uyU9ndwcM
https://www.youtube.com/watch?v=4qHYNNk8WKo

Buenas Ángel.

No creo que sea el más indicado para responder tu pregunta debido a mis limitados conocimientos. De todos modos te daré mi opinión (humilde y posiblemente incorrecta o inexacta). Voy a poner un ejemplo, si tú pretendes emplear (imagínate en el caso de las cuerdas): CineStrings, las Albion 1 y Symphobia 2. Pese a que hay diferentes posiciones de micrófono en ellas a tu disposición, a la hora hacer capas y combinarlas si no hay una "reverb" que las "empaste" y les de coherencia posiblemente el resultado no será el mejor, aún en el caso de que usases por ejemplo la posición "close" en las tres. Es decir, me da la impresión que sería más positivo crear un "buss ad hoc" para las cuerdas con una reverb dedicada común.

Espero que alguien con más conocimientos te de su opinión ... que aquí hay gente que si sabe (y mucho).

Un saludo.

KaRPiN escribió:

Sobre Virtual Sound Stage, hay varios demos y tutoriales en Youtube, yo personalmente uso altiverb

Yo utilizo ambos. A cada instrumento le inserto el Virtual Sound, el cual tengo configurado sin escenario (modo Free Field). Y a la mezcla final le hago un envío al Altiverb. Así, el reverb me lo da el Altiverb. El posicionamiento lo hace el Virtual Sound.

Antes de descubrir este plugin, mi sistema era sencillo. Una única pista de Altiverb para todos los instrumentos, de los cuales hacía envios. Así, como se dice, todos comparten el mismo escenario. Le daba profundidad a cada uno aumentando su nivel de envío.

Saludos.

Muy buen articulo !!!
Me será de mucha utilidad.
Muchas gracias por compartir.

Un placer Japbcn.

Teniente_Powel. Gracias por el consejo.
Estoy teniendo la oportunidad de probar el “pluggin”, la verdad es que es sencillo e intuitivo. Sigo tu consejo (modo Free Field). Mañana si tengo tiempo subo la prueba que estoy haciendo para leer opiniones sobre cómo queda la reverb (aunque en este caso no es Altiverb sino Lexicom) + el posicionamiento de Virtual Sound Stage. Ya te anticipo que con las percusiones no quedo contento ... aunque eso siempre me ha pasado.

Aunque Altiverb tiene posicionamiento, desde luego Virtual Sound Stage es un sowftware interesante.