Hola a todos,
Por si os puede servir, hace no mucho descubrí las técnicas Mid/side como seguramente la mejor forma que he conocido de encontrar separación, claridad y espacio en las mezclas orquestales.
Todo empezó hace unos meses, en un foro extranjero un profesional subió pistas en bruto para que la gente se las pudiera descargar y hacer pruebas de una grabación real de orquesta. Y descubrí otro mundo; era increíblemente fácil mezclar, sacar profundidad, que sonara compensado.
Tenías de cada sección varios micrófonos: uno close en mono, un decca, uno stage y tal, como muchas librerías. Pero...NO SONABAN EN ABSOLUTO como nuestras librerías. Pero ni comparación.
Los close eran increíblemente mono, con un cuerpo y una presencia enormes. Los decca eran superagradables (no había ningún chirrido en ninguna frecuencia, parecía como estuvieran ya mezclados), grabados a cierta distancia y me atrevería a decir que con estos micrófonos sin tocar nada ya sonaba casi perfecto. Y los stage eran increíblemente amplios, debían estar en el techo o algo así. Daban una sensación de espacio enorme, la señal estaba muy muy atenuada y eran aire puro. Y CASI CERO DE REVERB.
Simplemente poniéndolos al volumen adecuado alejabas o acercabas los instrumentos, quedaba más espacioso o más 'recogido', no tenía nada que ver con mezclar un close y un stage de librería, que son muy muy parecidos pero el stage con más reverb. La diferencia era mucho más radical. Como si al sobreponer los distintos micrófonos oyeras en 3D
Comparando, todas las librerías hasta en el micro close tienen demasiada reverb, demasiada información de frecuencias, los lado R y L son demasiado parecidos. Y por mucho que intentes ecualizar, poner delays, reverbs y demás, no se parece ni de coña en resultado, es más plano, mucho más de juguete, y a parte se chafan los instrumentos uno a otros un montón.
Fue entonces cuando me interesé por lo del Mid-side, y la verdad es que ha supuesto un enorme cambio. En vez de que una pista estéreo se componga de dos pistas mono paneadas en L-R se trata de distinguir el mid (la señal mono de lo que ambos altavoces comparten) y la señal estéreo de los lados que es distinta. Y TRABAJAR CON ELLAS POR SEPARADO.
Primero porque si quieres un instrumento más abierto, simplemente le bajas el MID y ya está más abierto.¿Que quieres menos cuerpo, menos presencia de la orquesta en conjunto? Pues bajas los MIDs en conjunto.
Y, sobre todo, porque tienen problemas distintos. Unos violines quedan estupendos en el estéreo, pero un contrabajo queda horroroso, los graves han de estar más al centro. Y no, no vale con cambiar el panorama, NO ES LO MISMO. Cambiar el panorama simplemente cambia la posición de las pistas L y R. Con la técnica mid side lo que consigues es que el instrumento tenga más presencia en el centro o en los lados, y es increíble lo que ayuda a aclararlo todo.
Incluso me atrevería a decir que los samples, al estar grabados como están grabados, tienen el problema de que si los ecualizas no terminas nunca. Y con esta técnica descubres por qué: la señal mid y la side a veces necesitan ecualizaciones distintas, en el centro compiten con unos instrumentos y en los lados con otros.
O la posibilidad de poner reverbs y delays solo a los lados (que es donde se nota únicamente...), le puedes poner una cantidad buena de reverb y no enguarra en absoluto.
Pues eso, que es lo más parecido que he encontrado al efecto de la orquesta real...
En mi caso (por si os interesa...) lo hago desde reaper. Dejo las pistas sin salida a master ni parent, y creo dos pistas para cada una, que recepcionan el envío esa pista.
Creo dos carpetas, una para mid y otra para side, y meto cada una de las pistas a una carpeta. Y en la carpeta simplemente utilizo el Fab filter Q, que permite separar mid-side, con un high pass infinito, que será mid en la carpeta side y side en la carpeta mid, de forma que las pistas de cada carpeta están separadas.
Parece muy lioso pero no lo es, y sobre todo y principal, el 90% de la mezcla se convierte en equilibrar esas pistas. Ahora tienes cada pista separada, pero es que darle más volumen a una u otra ya no sólo hará que cambie el volumen, sino que sea más estéreo o más mono, que tenga más o menos presencia, que se acentúen unas frecuencias u otras...
Por si os puede servir
Un saludo!
Por si os puede servir, hace no mucho descubrí las técnicas Mid/side como seguramente la mejor forma que he conocido de encontrar separación, claridad y espacio en las mezclas orquestales.
Todo empezó hace unos meses, en un foro extranjero un profesional subió pistas en bruto para que la gente se las pudiera descargar y hacer pruebas de una grabación real de orquesta. Y descubrí otro mundo; era increíblemente fácil mezclar, sacar profundidad, que sonara compensado.
Tenías de cada sección varios micrófonos: uno close en mono, un decca, uno stage y tal, como muchas librerías. Pero...NO SONABAN EN ABSOLUTO como nuestras librerías. Pero ni comparación.
Los close eran increíblemente mono, con un cuerpo y una presencia enormes. Los decca eran superagradables (no había ningún chirrido en ninguna frecuencia, parecía como estuvieran ya mezclados), grabados a cierta distancia y me atrevería a decir que con estos micrófonos sin tocar nada ya sonaba casi perfecto. Y los stage eran increíblemente amplios, debían estar en el techo o algo así. Daban una sensación de espacio enorme, la señal estaba muy muy atenuada y eran aire puro. Y CASI CERO DE REVERB.
Simplemente poniéndolos al volumen adecuado alejabas o acercabas los instrumentos, quedaba más espacioso o más 'recogido', no tenía nada que ver con mezclar un close y un stage de librería, que son muy muy parecidos pero el stage con más reverb. La diferencia era mucho más radical. Como si al sobreponer los distintos micrófonos oyeras en 3D
Comparando, todas las librerías hasta en el micro close tienen demasiada reverb, demasiada información de frecuencias, los lado R y L son demasiado parecidos. Y por mucho que intentes ecualizar, poner delays, reverbs y demás, no se parece ni de coña en resultado, es más plano, mucho más de juguete, y a parte se chafan los instrumentos uno a otros un montón.
Fue entonces cuando me interesé por lo del Mid-side, y la verdad es que ha supuesto un enorme cambio. En vez de que una pista estéreo se componga de dos pistas mono paneadas en L-R se trata de distinguir el mid (la señal mono de lo que ambos altavoces comparten) y la señal estéreo de los lados que es distinta. Y TRABAJAR CON ELLAS POR SEPARADO.
Primero porque si quieres un instrumento más abierto, simplemente le bajas el MID y ya está más abierto.¿Que quieres menos cuerpo, menos presencia de la orquesta en conjunto? Pues bajas los MIDs en conjunto.
Y, sobre todo, porque tienen problemas distintos. Unos violines quedan estupendos en el estéreo, pero un contrabajo queda horroroso, los graves han de estar más al centro. Y no, no vale con cambiar el panorama, NO ES LO MISMO. Cambiar el panorama simplemente cambia la posición de las pistas L y R. Con la técnica mid side lo que consigues es que el instrumento tenga más presencia en el centro o en los lados, y es increíble lo que ayuda a aclararlo todo.
Incluso me atrevería a decir que los samples, al estar grabados como están grabados, tienen el problema de que si los ecualizas no terminas nunca. Y con esta técnica descubres por qué: la señal mid y la side a veces necesitan ecualizaciones distintas, en el centro compiten con unos instrumentos y en los lados con otros.
O la posibilidad de poner reverbs y delays solo a los lados (que es donde se nota únicamente...), le puedes poner una cantidad buena de reverb y no enguarra en absoluto.
Pues eso, que es lo más parecido que he encontrado al efecto de la orquesta real...
En mi caso (por si os interesa...) lo hago desde reaper. Dejo las pistas sin salida a master ni parent, y creo dos pistas para cada una, que recepcionan el envío esa pista.
Creo dos carpetas, una para mid y otra para side, y meto cada una de las pistas a una carpeta. Y en la carpeta simplemente utilizo el Fab filter Q, que permite separar mid-side, con un high pass infinito, que será mid en la carpeta side y side en la carpeta mid, de forma que las pistas de cada carpeta están separadas.
Parece muy lioso pero no lo es, y sobre todo y principal, el 90% de la mezcla se convierte en equilibrar esas pistas. Ahora tienes cada pista separada, pero es que darle más volumen a una u otra ya no sólo hará que cambie el volumen, sino que sea más estéreo o más mono, que tenga más o menos presencia, que se acentúen unas frecuencias u otras...
Por si os puede servir
Un saludo!
. Un abrazo
