Paneo

el panorama es muy importante. Escucha RUN de Snow Patrol. En ella te darás cuenta que incluso el aire del golpe del snare tiene una "cola" con paneo a la izquierda. Ésta "cola" de altas frecuencia da a cada golpe del snare ese aire tan hermoso que además está hecho con mucho efecto (parecen delays y reverb a un hihat, muy procesado).
Escucha Beat It de Michael Jacson y escucharás el manejo tan extensivo del panorama, muy claramente.
Escucha en muchas canciones cómo hay delays paneados a izquierda y derecha muy sutiles. El paneo no solo lo encuentras para el instrumento seco, sino para los canales auxiliares para efectos de envío.
Yo encuentro que el panorama y los efectos relacionados con él son más usados en grabaciones profesionales que lo que normalmente indican los manuales de buen uso.
Oído, práctica; otra vez oído más afinado, más práctica.

aquí hay algo de emusician:
http://emusician.com/tutorials/stereo_creativity/

sobre paneo

Bueno, para rock, yo soy fan de panear a tres posiciones: L, centro, R. Nada más. Nada de 25% a la izquierda, mariconadas las mínimas...

Claro que se pueden obtener buenos resultados sin hacer esto, y de hecho a veces es más dificil obtener resultados de esta forma. Hay cosas que pueden sonar muy bruscas y antinaturales al hacerlas así. Pero por eso me gusta.

Por otro lado, si grabas con varios micrófonos una misma fuente, entonces puedes panear 100% R un micro, y panear 100% L otro micro, y poner uno de los dos mucho más bajo que el otro: esto es parecido a panear no del todo hacia un lado o el otro, pero no es igual.

Si paneas 100% un instrumento hacia un lado, y luego envías a una reverb stereo sin panear, te encuentras conque ya no suena 100% hacia un lado, sino que tiene presencia del otro lado, solo que es todo reverb. Esto ayuda a compensar y evita que las cosas suenen tan radicales (aunque puede que quieras que suenen radicales hacia un lado).

Bombo, caja, voz principal: al medio, salvo cosas raras.

Si tienes una voz doblada, no hace falta que panees nada: puedes poner las dos pistas al medio, una muy por debajo de la otra (al menos 6db abajo), y consigues el tipico doblado de voces de toda la vida, que recuerda a un chorus pero suena más natural.

Salu2.

Yo he probado a poner la caja, en vez de una pista mono en el centro, en dos pistas mono, una a R10 y otra a L10. Sigue sonándome en el medio, pero sin estar en el mismo espacio que el bombo. Lo mismo he hecho con el bajo con la voz.

La resultante a mí me gusta. Me parece una manera "sencilla" de hacer algo de espacio en la mezcla, que en los home-studios suele ser un talón de aquiles al que no le damos toda la importancia debida, creo yo.

Alguna opinión contraria a hacer esto así en general?

Yo soy mas de imaginarme la posicion en el escenario de los instrumentos , vamos, tratarlo como si fuera un "directo" ( desde el lado del oyente) , asi que lo que hago es algo en plan:

-Bateria :
* Bombo al centro pero un pelo a la izquierda
* Caja : al centro pero tirando hacia la derecha algo mas que el bombo
* Timbales : repartirlos en plan exagerado pero "real" , por ejemplo T1 algo mas a R que la caja , T2 algo mas hacia L que el bombo , T3 casi totalmente en L
* Ambiente : paneado casi totalmente L y R algo menos

-Guitarras : me da lo mismo que lo mismo me da , pero una casi a L por completo y otra casi a R por completo

- Bajo : casi centrado , pero mas para R ( para que no este en el mismo espacio del bombo)

-Voz principal : totalmente al centro
- Coros : juego con ellos , esto es mas libre.

Vamos , asi lo planteo yo , no se si será la forma mas correcta pero de las que aprendi es la que mas me gusta por lo natural que queda.

Prueba a poner una pista de voz 20% a la izquierda y otra 20% a la derecha.

Saludos