Mockup de Regreso al Futuro

Iskra mod
#1 por Iskra el 20/01/2017
Me he entretenido el fin de semana pasado haciendo un mockup de Regreso al futuro, por un lado porque estoy enamorado de la música desde que vi la película de crío, claro, pero además porque tiene una orquestación muy completa y cinematográfica. Y como tiene cosillas que igual mola comentar, pues de paso abro un hilo. ;)

Os dejo el mockup para que hagáis comentarios, es mejorable en cuanto a sonido y programación (tampoco tuve tantas horas para rematar detallitos), pero creo que hace un apaño. He trabajado los metales mucho más de lo que lo hago normalmente, que de por sí no los uso demasiado y sin embargo aquí tienen un papel central. No he intentado replicar el sonido original del tema ni el tempo, está más o menos, pero sobre todo porque la orquestación ya deja a cada sección en el plano que corresponde, y eso es lo que quería comprobar con una de mis plantillas.

Lo que sí me ha parecido más interesante del ejercicio, y el motivo por el cual lo he hecho, es para aprender un montón de detalles de técnica orquestal cinematográfica y “ochentera”, en el sentido más positivo de la expresión. Las combinaciones de instrumentos, el uso de los metales a lo grande pero sin dejar de lado las maderas, las duplicaciones, el dovetailing y otro montón de cosas están todas representadas aquí.
La orquestación no tiene nada revolucionario, de hecho es bastante estándar “Hollywood 80s”. Duplicaciones casi en todo momento de violas con clarinetes y violines con flautas y oboes; tuba y trombón bajo aportando lo afilado en los graves junto con contrafagot y fagot para darle “nasalidad” (sacado de Los Planetas directo).

Me ha parecido interesante que el uso de la percusión es bastante tradicional, en el sentido de que sirve fundamentalmente para acentuar las cosas, y el tema lleva un ritmo del copón. Es una demostración de que no es necesario poner una percusión insoportablemente machacona para que un tema tenga ritmo. Un buen ejemplo es la manera de reservar el bombo, por ejemplo, sólo para algunos puntos concretos (no debe haber más de 6 o 7 golpes de bombo en todo el tema). Usa en todo momento los timbales para dar la profundidad desde la percusión, y así cuando por entra el bombo que ha estado reservando, el impacto es infinitamente mayor.

De hecho hay bastantes recursos de orquestación que también aparecen en JW, sospecho que debieron de trabajar aquellos años con los mismos orquestadores, aunque no he buscado esa información para confirmarlo. Piano junto con la percusión y a veces la melodía, glissandi de arpa para ir a los acentos, añadir xilófono junto con las trompetas en los acentos (en la primera exposición del tema), lo que comentaba de reservar el bombo para dar la profundidad extra de forma muy esporádica… Demasiadas coincidencias. :-)
Otro elemento de la percusión que me ha parecido interesante es que tiene piano, pero usado fundamentalmente como apoyo percusivo y armónico a otras secciones, con muy poco protagonismo pero con el suficiente: es muy discreto en el apoyo, pero si lo quitas, se nota un montón.

Al final, todo se centra en contrastes y en reservar elementos que te sirvan más adelante para jugar con ellos (esto mismo hace siempre JW). Y como diría Mahler, “variedad, variedad y variedad”.

En la parte más “off” antes de la recapitulación, hay un buen conjunto de texturas, que creo que es lo más difícil de conseguir con samples. El arpa tiene unos arpegios sincopados que rellenan la textura pero que es difícil conseguir equilibrar bien con samples, y que sirven de contraste con los acordes que van haciendo las trompas y el piano en crescendo (ídem, difícil de equilibrarlo todo bien con samples). Se consigue un apaño, pero una orquesta real con un director equilibra esto a primera vista y sin ninguna dificultad, y la textura y el balance de colores lo hacen perfecto a la primera sin ningún problema.

Hay bastante dovetailing, fundamentalmente entre trompas y trompetas, claro, pero también hay varios sitios donde se va intercambiando el fraseo entre los celli y las violas, por ejemplo. Y como las duplicaciones son “estándar”, también se va moviendo entre fagot, clarinetes, y flauta+oboe. La sección de maderas en este caso funciona como debe funcionar en piezas de este tipo, para añadir una cualidad diferente a los metales y las cuerdas, dado que es poco audible en un tema tan “tutti”. Añadir los oboe+flautas a las trompetas dan un color más metálico (no sabría como describirlo), aunque el sonido predominante sea el de los metales, claro. Añadir el contrafagot al estilo de Holst junto con la tuba+trombón bajo también le da un color y una profundidad especial (sobre todo en las notas largas).

Compositivamente hablando, es un temazo del copón, y sobre todo es el ejemplo perfecto de lo que es elaborar una buena pieza de música con desarrollo horizontal (y no vertical, que es de lo que pecamos todos), repetición de los motivos, modulación, etc.
Además es un buen ejemplo del uso del modo lidio (el más usado con diferencia en las pelis), y como eso le permite jugar en todo momento “entre dos tonalidades” y le abre las posibilidades de desarrollo. ;)

No voy a entrar en el análisis de la composición, entre otras cosas porque no soy un experto. :-) Pero intentad ver en cuántas tonalidades diferentes aparecen los dos motivos principales en los 3 minutos y pico. Eso es lo que le permite darle variedad y sensación de “moverse hacia adelante” aunque la melodía aparece un cerro de veces. Ya he comentado algunas veces que es de lo que pecan las composiciones con samples, en Hispa, Soundcloud y cualquier otro sitio. Hay desarrollo vertical por apilamiento de instrumentos y secciones, y poquísimo desarrollo horizontal, que exige pensar bastante más en la música en sí, y no en lo bien que suenan los samples, y que qué bonitos y chulos suenan cuando voy apilando cosas.

La verdad, deberíamos dedicar mucho más tiempo a ponernos con el piano (o nuestro instrumento de elección) pensando en la estructura, el desarrollo, la melodía, y rehaciendo las ideas musicales, que programando. Lamentablemente, creo que es a la inversa (muchas veces yo el primero, pero me estoy quitando). :-)
En resumen, que me encanta este tema, y de hecho creo que Silvestri ya no consiguió superarse. Ha hecho muchas cosas, pero tan redondas como esta, creo que no.

¡Ah, y el tema, claro!
https://www.hispasonic.com/musica/regreso-futuro/116790
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Chuy Nuñez
#2 por Chuy Nuñez el 20/01/2017
Me encantó tu comentario de tratar de dejar de ver el proceso verticalmente, a veces pasamos horas tratando de emular lo mejor posible un maldito sample y la creatividad se va cansando de esperar.
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vagar
#3 por vagar el 20/01/2017
Pulgarazo al post, reverencias al análisis comparativo y totalmente de acuerdo en tus observaciones.

Has partido de un midi de la red, ¿no?, porque si te has secuenciado eso en un fin de semana vete a Los Ángeles que tienes curro. :shock:
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Prowler
#4 por Prowler el 20/01/2017
Estoy de acuerdo en lo de la creatividad. El "vicio" del papel pautado y lápiz no debería perderse porque ahí reside la verdadera esencia de atacar una obra desde el cero más absoluto. Mi sensación es la de mirar los pentagramas en blanco con el afilado lápiz en la mano y decirle al papel:
- Allá vamos. Uno de los dos no sale vivo de aquí.

La sensación que me da ponerme al teclado y trastear con samples es más bien mirar con cara de pánico al cyborg y que éste me diga: - Está claro quién va a salir vivo de ésta. Tú improvisa cuatro notas y, si me gustan, las tocaré p'arriba, p'abajo, les daré la vuelta, las arpegiaré, las desarrollaré, las armonizaré, las orquestaré, las repetiré hasta la puñetera saciedad y luego me colgaré sin haber salvado nada y te j...s como Herodes. Vas a hacer lo que yo quiera o te deje hacer.

Desafortunadamente, para poder escuchar nuestra música, aunque provenga del papel y el lápiz, hay que pedirle permiso al cyborg para que nos deje secuenciarla sin muchos contratiempos. Personalmente creo que a los secuenciadores los carga el diablo y tienen vida propia. 8-[
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Iskra mod
#5 por Iskra el 20/01/2017
vagar escribió:
Pulgarazo al post, reverencias al análisis comparativo y totalmente de acuerdo en tus observaciones.

Has partido de un midi de la red, ¿no?, porque si te has secuenciado eso en un fin de semana vete a Los Ángeles que tienes curro.


Gracias Vagar!
Aprovecha y dale una escucha "musical" al tema, que tú puedes aportar muuuuucho más que yo! :)

No hay MIDI en la red decente (o al menos no lo he encontrado), así que me ha tocado a mano. Pero bueno, hay muchas duplicaciones y figuras similares, así que no he tenido que tocarlo todo a mano. Lo que más curro de tiempo tocando/escribiendo me ha llevado han sido las cuerdas, ¡que encima se oyen poco con tanto metal dorado!! :) De todos modos me he pegado una buena panzada el fin de semana, aprovechando que tenía tiempo libre (igual en total le he echado 15 horas, aunque no seguidas). O sea, que sí que me ha llevado curro. ;)
A Hollywood quita, quita, ¡¡que me veo programando megatoms, taikos, y toda la parafernalia 15 horas diarias!!
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vagar
#6 por vagar el 20/01/2017
искра (Iskra) escribió:

No hay MIDI en la red decente (o al menos no lo he encontrado), así que me ha tocado a mano.


:shock: :plasplas:

искра (Iskra) escribió:
Aprovecha y dale una escucha "musical" al tema


Hombre, pues de momento estamos ante un compositor que sabe lo que es el desarrollo motívico.

Siempre se habla de la armonía, algo menos de la orquestación, y casi nunca del pobre ritmo. En este caso a mí me parece que está bien dirigir la atención a cómo Silvestri toma una célula melódica y la manipula con distintas herramientas escolásticas, no solamente la trasposición. Cuando escucho a compositores que se recrean estas cosas (¡Beethoven, Brahms! :amor: ) no puedo evitar imaginarme a un arqueólogo mostrando al público una reliquia fascinante desde todos los ángulos, o a una modelo en la pasarela enseñando un vestido en varias posturas... mira esto... y esto... y mira qué pasa si... Yo me lo paso bomba, hasta me emociono y todo ;-).

Es interesante aislar el motivo principal, el secundario, ver qué relación tienen con la fanfarria mixolidia de la introducción si la hubiere ;-) , cómo se repite y transforma la célula rítmica principal (me imagino que estará escrito en 2/4 a mm alrededor de 80, dos negras, negra ligada a corchea puntillo, dos fusas, tresillo de corcheas...), etc. Cómo aparecen fragmentos de los motivos en el acompañamiento modificados para que hagan buen contrapunto, cómo juega con los registros, los timbres y la posición estéreo al reiterar los motivos...

En fin, hay para un rato de masterclass compositiva de Don Alan, con permiso pongo la versión acústica:

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Iskra mod
#7 por Iskra el 20/01/2017
vagar escribió:
Es interesante aislar el motivo principal, el secundario, ver qué relación tienen con la fanfarria mixolidia de la introducción si la hubiere , cómo se repite y transforma la célula rítmica principal (me imagino que estará escrito en 2/4 a mm alrededor de 80, dos negras, negra ligada a corchea puntillo, dos fusas, tresillo de corcheas...), etc. Cómo aparecen fragmentos de los motivos en el acompañamiento modificados para que hagan buen contrapunto, cómo juega con los registros, los timbres y la posición estéreo al reiterar los motivos...


A mi también me emociona. Eso sí que es saber componer, y observarlo atentamente, es aprender. ;)
Cuando tenga ratos, y como ya tengo el mockup, intentaré subir fragmentos incluso de trozos sueltos de la orquestación para comentar todos estos temas...
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Iskra mod
#8 por Iskra el 20/01/2017
Prowler escribió:
Estoy de acuerdo en lo de la creatividad. El "vicio" del papel pautado y lápiz no debería perderse porque ahí reside la verdadera esencia de atacar una obra desde el cero más absoluto.


Sobre todo, al margen de si uno prefiere usar su instrumento, lapiz y papel, un programa de notación o lo que sea, el problema yo creo de los samples y el cyborg (me encanta ese nombre) es que pasamos tanto tiempo ocupados en simplemente segundos de música, que nos cansamos enseguida de nuestros propios temas, y en lugar de pensar en la pieza completa estamos pensando en las 4 horas que nos ha llevado hacer 20 segundos de música.
Normalmente, nos cansamos de lo que componemos mucho antes que un oyente que escucha por primera vez la pieza terminada. Y en lugar de pensar en cómo desarrollar la pieza musical, nos centramos en como rellenar cada compás. Por eso hay tantos de nuestros temas orquestales que caen en apilamiento, y casi exclusivamente en el desarrollo vertical (que ojo, también es útil en algunos casos) que en el desarrollo musical. Una lástima, porque muchas veces oigo temas en Hispasonic que tienen muy buenas ideas, pero muy pobremente desarrolladas. Y la música es desarrollo de ideas a lo largo del tiempo, equilibrar las expectativas con las sorpresas, guiar al oyente por el tema para mantenerle la atención durante toda la pieza...
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Emilio Galsán
#9 por Emilio Galsán el 21/01/2017
Muy interresante el debate, Me gusta tu versión y tus expliclaciones, Iskra

искра (Iskra) escribió:
la música es desarrollo de ideas a lo largo del tiempo


Ahí está el meollo de lo que comentais en este hilo: La música es sonido, claro, pero antes es una idea, psiquis y physis, antes de ser sonido ha sido idea, o sea , la psiquis precede a la physis...La cuestión es que como no disponemos de una orquesta real y un director que la dirija, nos obsesionamos con el sonido, con el fenómeno físico, nos ponemos en manos del maldito "cyborg" (qué buena la metáfora de Prowler) y perdemos de vista la idea, la riqueza melódica, la evolución de dicha idea...Partiendo de tres repeticiones de la quinta y una tercera menor, Beethoven desarrolla el colosal primer movimiento de su Quinta sinfonía. Parece fácil, pero esa aparente simplicidad, al desarrollar esa célula, el "devenir horizontal" de esta obra, (sin olvidar el desarrollo vertical, claro), le otorgan su grandeza, su belleza eterna, que perdura en el tiempo como toda obra maestra.

En fín, mis felicitaciones, Iskra. :ook:
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EraserHead
#10 por EraserHead el 22/01/2017
Buenas. Muy buen trabajo, no te puedo poner pegas porque no tengo casi base académica para eso, solo un mediano oido. Y mi oido en este tema me dice que falta algo de profundidad a algunas familias de intrumentos (lo siento por mi oido, solo oye, no escucha) en algunos momentos, pero es algo que veo tambien en muchos otros temas orquestales. Supongo que el tecnico de sonido al final se lo curra para que no se pierda nada de información ni ningun intrumento, algo que pasa cuando estas en una sala de conciertos oyendo a una orquesta en directo. Yo me vuelvo loco cuando inteno dar profundidad a los intrumentos de una orquesta con la reverb y demas recursos, pero luego me choca en algunos temas ver que esa profundidad se pierde porque todo me suena muy presente. No se si me estoy liando pero me pregunta es si os parece lo mismo. Que a veces en una grabación se pierde la profundidad pero el resultado tampoco es malo. Es distinto pero valido.
Un saludo
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EraserHead
#11 por EraserHead el 23/01/2017
Buenas. Leyendo el foto de la orquestación MIDI ya veo que se esta contestando por alli a mi pregunta y hay tantas opciones como musicos o interpretes. Parece que es una cuestión de gustos.
Saludos
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Prowler
#12 por Prowler el 23/01/2017
искра (Iskra) escribió:
Sobre todo, al margen de si uno prefiere usar su instrumento, lapiz y papel, un programa de notación o lo que sea, el problema yo creo de los samples y el cyborg (me encanta ese nombre) es que pasamos tanto tiempo ocupados en simplemente segundos de música, que nos cansamos enseguida de nuestros propios temas, y en lugar de pensar en la pieza completa estamos pensando en las 4 horas que nos ha llevado hacer 20 segundos de música.


¡¡Sasto!! Cuesta muchas horas de negociaciones con el cyborg secuenciar y dar forma a otras tantas horas pasadas sobre el papel, con lo que al final suman un porrón de horas para ese minutillo de música. También es cierto que muchos compositores de cine están tan acostumbrados a componer en forma de tracks relativamente cortos y no desarrollan, o apenas, los temas. Eso sí, les meten capas y capas de sonidos y adornos que finalmente suman 100 pistas. Me suena un tal HZ.

Ante esto va uno con su minutillo de música más o menos, tal como lo ha plasmado en el papel y te salen 5, 10 o 15 pistas tirando largo. Y piensas: - Ese tío le ha metido 80 pistas a un fragmento muy similar al mío, ¿qué me estoy dejando? ¡Ná, no me dejo ná!. Lo que pasa es que como con las librerías la cantidad de músicos e instrumentos, por complejos, raros o remotos que sean, no piden de comer, pues vamos a poner más y más.
Nos perdemos en los adornos y las capas y nos olvidamos de componer más música.

Saludos.
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hollenius
#13 por hollenius el 25/01/2017
Silvestri es un genio... A mi me gustan mas otras partes, aqui un boton...

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Iskra mod
#14 por Iskra el 25/01/2017
EraserHead escribió:
Que a veces en una grabación se pierde la profundidad pero el resultado tampoco es malo. Es distinto pero valido.


De todos modos en mi mockup la profundidad está fatal :)
Estoy haciendo una revisión, para darle más mordiente a los metales, arreglar algunas cosas que estaban mal, e intentar acercarlo un poco más al original.
De hecho estoy aprovechando para hacer experimentos con la profundidad pero sin ahogar todo en reverb, a ver qué sale... ;)
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EraserHead
#15 por EraserHead el 25/01/2017
Iskra que yo no he dicho que este fatal. Quería saber si a veces se puede olvidar la profundidad para dar más presencia a algunos instrumentos no tan "potentes". Y ya me están contestando en el otro foro. Es que no sabía cómo actuar y ahora ya veo que depende de gustos, pero sin pasarse.
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